IRYW：美しいギターは、より良い音を奏でます

1.はじめに

どのギターフォーラムでも、このような議論が行われている：楽器の美しさはサウンドに影響するか？楽器の美しさはサウンドに影響するか？一方では、木材の品質、構造技術、音響特性だけが重要だと主張する純粋主義者がいる。もう一方では、プレイヤーたちは、彼らのゴージャスな楽器が優れたトーンを生み出すと断言する。なぜなら、美しさと音の関係は、どちらの側が一般的に認めているよりもはるかに複雑だからです。

美的魅力は、芸術、建築、職人技における品質と長い間結びつけられてきた。楽器の世界でも、美しさは、心理的、感情的、そして肉体的なレベルにおいて、知覚に影響を与えます。客観的な音の特性は素材やデザインによって決まりますが、楽器の音色に対する私たちの主観的な体験は、期待、連想、関与によって形作られます。簡単に言えば、音楽家が楽器を視覚的に美しいと感じると、より自信、ニュアンス、情熱を持って演奏するようになり、その結果、知覚される音の特質が高まるということです。

さらに、神経科学と心理学は、美しさが脳の報酬中枢を刺激し、モチベーションを高め、楽器との感情的な結びつきを強めることを明らかにしている。この結びつきは、演奏者が弦をどのように叩くか、メロディーをどのようにフレーズするか、さらには演奏中にどのように感じるかといった、楽器との関わり方を変化させる。問題は、単に美が音に影響を与えるかどうかではなく、美的体験が音楽表現そのものとどれだけ深く関わっているかということだ。

2.1.感覚統合の科学

認知心理学の研究により、私たちの感覚は単独では働かないことが長い間立証されてきた。有名なマクガーク効果は、視覚情報が音の知覚を変化させることを実証した。「ファ」と言う人のビデオを見ながら「バ」と聞くと、代わりに「ヴァ」と知覚することが多いのだ。この視覚と聴覚のクロスモーダルな相互作用は、私たちの神経構造に深く関わっている。

ザトルとサリンポアの研究は、音楽の喜びが視覚的な美しさと同じ神経報酬経路を活性化することを示している。音楽家が美しい楽器に出会うと、神経化学反応のカスケードが誘発され、感情移入が高まる。美的体験の心理学は、視覚的な美しさが複数の領域にわたってポジティブな感情的反応を脳に促し、その後の感覚入力の処理方法を形作る感情的文脈を作り出すことを示唆している。

2.2.美が知覚に与える影響

その効果は単純な快楽にとどまらない。IshizuとZekiによる神経美学の研究（2011年）は、視覚的な美しさを体験することで、その効果を実証している：

• 眼窩前頭皮質の活動を高める

• 他領域の感覚処理を強化する

• 注意力と集中力の向上

• ストレス反応を抑える

• 感情移入を促す

これは神経科学者が「クロスモーダル・エンハンスメント」と呼ぶもので、ある感覚領域（聴覚）の向上が、別の感覚領域（視覚）のポジティブな刺激によって引き起こされるというものである。

2.3.感情プライミング効果

VuoskoskiとEerolaによる最近の研究（2015年）は、感情的な文脈がいかに音楽の知覚を形作るかを明らかにした。彼らの研究によると、以下のことがわかった：

• ポジティブな感情状態は周波数識別能力を高める

• 心地よい視覚刺激が聴覚処理を改善する

• 感情移入が音楽鑑賞を深める

• 事前の期待が知覚経験を形成する

楽器に当てはめれば、視覚的な美しさが感情的な文脈を作り出し、それが文字通り音の処理方法を変えるということだ。

2.4.文化的・個人的要因

その効果はすべての人や文化に一様ではない。Thompson and Balkwill (2010)の異文化間研究は、美と音の関連性は普遍的に存在するものの、その具体的な現れ方は文化によって異なることを示している：

• 文化的背景

• 音楽トレーニング

• 個人的な経験

• 美的嗜好

• パフォーマンス・コンテキスト

これは、同じ楽器でも奏者によって反応が異なる理由を説明する一助となる。

3.1.ベンジャミン効果

哲学者ウォルター・ベンヤミンの「オーラ」という概念、つまりオリジナルと複製品を区別する言いようのない質は、美しく作られた楽器が物理的な特性以上に心理的な重みを持つ理由を説明するのに役立ちます。これは単なる哲学的理論にとどまらず、消費者心理学の研究でも、職人技の認知がユーザー体験に及ぼす測定可能な効果が実証されています。

心理学者ミハイ・チクセントミハイによる "卓越した人工物 "に関する研究は、卓越した技術を具現化したものが、彼が "フローを誘発する環境 "と呼ぶものをどのように生み出すかを示している。音楽家が高度な職人技を示す楽器を扱うとき、彼らは次のような経験をする：

• 集中力の強化

• タスクへの深い関与

• パフォーマンス・フローの改善

• より強い感情的なつながり

• 卓越したモチベーションの向上

マーケティング研究者たちは、ある領域でのポジティブな印象が他の領域での認知に影響を与えるという「ハロー効果」を長い間記録してきた。アロンズ（1973年）の研究では、特に楽器においてこの効果が実証され、次のような結果が得られている：

• 視覚的品質は知覚される音質に影響する

• 職人技は楽器への信頼に影響する

• 美しさが信頼性を高める

• 美的魅力は価格への期待に影響する

奏者と楽器の関係は、単純な力学をはるかに超えている。現代の研究では、複雑な感情のフィードバック・システムが音楽の演奏に深く影響していることが明らかになっている。

4.1.グローバル・パフォーマンス・パラメーター

ライト（1996）の画期的な研究は、音楽家の感情状態によって変化するいくつかの「グローバル・パラメーター」を特定した。これらのパラメータは、技術的な正確さと表現力の深さの両方に影響を与え、音楽家が楽器とどのように関わり、芸術性をどのように伝えるかを形作る。

技術的要素：

• ダイナミック・コントロールの精度：音量の変化を正確に管理し、大音量と小音量の間のスムーズな移行を保証する能力。

• タイミングの正確さ：アンサンブルでもソロでも、リズムの一貫性を保つこと。

• ピッチの安定：音程を一定に保ち、感情や演奏のプレッシャーによって生じる変動を最小限に抑えること。

• アーティキュレーションの一貫性：音符のアタックとリリースの明瞭さ、フレージングの正確さに影響する。

• 音色のコントロール：タッチの感度と筋肉の弛緩に影響され、さまざまな音楽の文脈に合わせて音色を調整すること。

表現要素：

• フレーズ・シェイピング：音楽的なラインを意図的に成形し、輪郭を加え、メロディーを形作る能力。

• ダイナミック・レンジ：コントラストと感情的なインパクトを高めるために、幅広いラウドネスを利用すること。

• リズムの柔軟性：クラシックのルバートやジャズのスウィング感など、音楽表現を高めるタイミングの微妙な変化。

• 音色の変化：音楽のフレージングやスタイルに合わせて、音の暖かさ、明るさ、暗さを調整すること。

• 感情の投影：トーン、ダイナミクス、アーティキュレーションの微妙な変化を通して、感情や解釈を伝えること。

技術的要素と表現的要素の相互作用

音楽家の感情状態は、これらの演奏パラメーターに測定可能な影響を及ぼすことがある。不安や緊張はタイミングの正確さやアーティキュレーションの一貫性を低下させる一方、自信や情熱はダイナミック・コントロールや表現の深みを高める。この相互作用は、音楽家がしばしば、技術的な準備と感情的な楽器へのつながりの両方を感じているときに最高のパフォーマンスを発揮する理由を説明します。

このようなグローバルな演奏パラメーターを認識し、洗練させることで、ミュージシャンは演奏体験を最適化することができ、美、知覚、音のつながりをより具体的なものにすることができる。

最近の神経科学研究では、感情の状態が認知機能と運動機能の両方に影響を与えることによって、演奏技術にどのような影響を与えるかが明らかにされている。感情的な興奮は、集中力、運動制御、表現の深さを変化させることで、演奏に大きな影響を与える可能性がある。演奏神経科学の研究では、感情が音楽の実行と相互作用するいくつかのメカニズムが明らかにされている：

1. 神経化学的影響：ポジティブな感情に関連するドーパミンレベルの上昇は、細かい運動制御を強化し、実行の正確さを助ける。逆に、ストレスによるコルチゾールの急上昇は、筋肉の硬直を招き、動きの流動性を低下させる。

2. 筋肉の緊張と弛緩：ポジティブな感情は、リラックスしつつもコントロールされた姿勢を促し、アーティキュレーションや音色のコントロールを向上させる。一方、不安は過度の緊張を引き起こし、協調性やフレージングを損なう。

3. 注意力と集中力：感情的な関与は選択的注意を高め、音楽家がフレージングやダイナミックなシフトをより正確に予測できるようにする。注意力が散漫になったり、注意が散漫になったりすると、タイミングやアーティキュレーションに一貫性がなくなる。

4. 表現のニュアンス：感情状態は、音符のタイミング、ダイナミックなシェーピング、フレージングの微小変化に影響を与える。研究によると、感情移入度の高い音楽家は、より自然なルバートと大きな音色の変化を示し、演奏をより有機的で説得力のあるものにする。

5. 運動学習と記憶想起：感情的な連想は手続き記憶を強化し、技術的なパッセージをより簡単に取り出し、スムーズに実行できるようにする。音楽家が、感情的に曲とつながっていると感じたときに最高の演奏をすることが多いのはこのためだ。

これらの神経科学的洞察を統合することで、音楽家は感情の状態を利用して、演奏における技術的な正確さを磨き、表現上の信憑性を深めることができる。

Juslin & Västfjäll (2008)の研究では、感情が音楽演奏に影響を与える6つの異なる心理的メカニズムが特定されている。これらのメカニズムは、音楽家の感情状態が、技術的な実行力、表現力、そして全体的な音楽性を形作る複雑な方法を浮き彫りにしている。これらの心理的要因を理解することで、音楽家は感情を活用し、より深く、より魅力的な演奏を生み出すことができる。

1. 視覚的イメージ：美的魅力は音楽の視覚化において重要な役割を果たします。美しく細工された楽器を見ることで、より鮮明な心象を呼び起こし、音楽の解釈や演奏を助けることができる。

• 美しい楽器は、より没入感のある演奏体験を促す。

• メンタル・ビジュアライゼーションの強化は、より表現力豊かなフレージングとアーティキュレーションをサポートする。

2. 感情の伝染：音楽家が経験した感情は、演奏を通じて聴衆に伝わることがある。

• ポジティブな感情は、より表現力豊かでダイナミックな演奏につながる。

• 観客は無意識のうちに、パフォーマーが伝える感情のエネルギーを映し出す。

3. エピソード記憶：楽曲や楽器にまつわる個人的な記憶は、感情移入に影響を与える。

• ミュージシャンが過去の経験から特定のギターに愛着を持つことで、表現力が深まることがある。

• 上手に作られた楽器とのポジティブな結びつきは、自信と楽しみを強める。

4. 音楽的期待：事前の経験と期待が、音楽家がどのように音楽を認識し、制作するかを形成する。

• 視覚的に魅力的な楽器は、音楽家が自分の能力を信じる気持ちを高め、パフォーマンスを向上させる。

• 楽器の美学と結びついた大きな期待は、より洗練された演奏スタイルにつながる。

5. リズムの同調：感情移入は、音楽家がリズムに同調する能力を高める。

• 感情的に楽器とつながっているミュージシャンは、リズムの安定性とタイミングの正確性が向上する。

• 熱心な演奏家は、音楽の表現上の要求と演奏を自然に一致させる。

6. 評価的条件づけ：感情状態が学習と筋肉の記憶を強化する。

• 楽器の美しさによる肯定的な強化は、技術の定着と自信を高める。

• 音楽家は、自分の楽器に感情移入することで、より高度なテクニックを身につけやすくなる。

このようなメカニズムを理解することで、音楽家は感情を上手にコントロールし、表現の可能性を最大限に引き出すことができる。

Davidson(1993)の研究は、このような感情的影響が演奏者の枠を超え、聴衆の知覚に影響を与えることを実証した。ミュージシャンの感情的な状態や関与は、演奏に反映されるだけでなく、聴衆によって知覚され、彼らの感情的な反応や全体的な経験に影響を与える。この関係は、3つの重要な要素に分けることができる：

1. 直接的な効果：ミュージシャンの感情状態は、聴衆が知覚し反応する音の質に変換される。

• 感情移入している演奏家は、より表現力豊かなフレージングとニュアンス豊かなアーティキュレーションを生み出す。

• ダイナミクスと音色の変化が、聴く者を魅了する感情的な深みを生み出している。

• 自信に満ちた演奏者は、音をより効果的に投影し、より明瞭でインパクトのあるものにする。

2. 間接的効果：視覚的な合図とボディランゲージは、観客の知覚に大きな役割を果たす。

• ミュージシャンの姿勢、表情、ジェスチャーは、音楽そのものを超えて感情を伝える。

• 音楽に合わせて微妙に動くことで、リスナーの没入感を高めている。

• 観客はしばしばミュージシャンの感情状態を映し出し、共有体験を強化する。

3. フィードバック・ループ：聴衆の反応がさらにミュージシャンの演奏に影響を与え、ダイナミックな感情交流のサイクルが生まれる。

• 集中した注目や目に見える楽しさなど、観客のポジティブなエンゲージメントは、パフォーマーの自信を高める。

• 拍手や感謝の言葉などの反応を促すことは、表現の強度を高めることにつながる。

• ミュージシャンと聴衆の相互作用は、共同体としてのつながりの感覚を育み、演奏をより印象深いものにする。

レマン（2008）が言うように、これは「身体化された音楽認知」-演奏者と聴き手が感情や感覚を共有する旅に参加する、深く織り込まれた経験-を生み出す。このような要素を理解し、活用することで、音楽演奏は単なる技術的な実行から、深い衝撃を与える芸術的表現へと昇華することができる。

従来の音響測定では、このような感情的な側面を捉えることができないことがよくあります。周波数レスポンス、ハーモニックコンテンツ、アタック特性、サスティーン長は貴重なデータを提供しますが、ミュージシャンの経験や聴衆の知覚を形成する微妙な点を見落としています。Bissinger（2008）は、以下のような標準的な測定基準を指摘しています：

• 周波数特性：楽器の音色バランスを定義するが、ダイナミックな表現が時間とともにどのように変化するかは反映しない。

• ハーモニックコンテンツ：倍音構造を測定するが、楽器の響きが奏者のアーティキュレーションとどのように相互作用するかを考慮していない。

• アタック特性：音符がピーク音量に達する速さを数値化したものだが、アタックの変化の背後にある感情の重みは表現できない。

• サステインの長さ：音の持続時間を示すが、ディケイ・フェーズがミュージシャンのタッチや意図によってどのように変化するかは示されない。

このような客観的な要素は、楽器の質の高さに寄与するが、ジュスリンが「微小変化」と呼ぶもの、つまりミュージシャン独自の声を定義する微妙で表現豊かな変化を完全に説明することはできない。これには以下のようなものがある：

• 音符のタイミング：スウィング、グルーヴ、表現力豊かなルバートを生み出すタイミングの微細な揺らぎ。

• ダイナミック・コントロール：フレーズ間だけでなく、個々の音符の中で音量を調整する能力。

• ティンブラルのバリエーション：アタック、ビブラート、タッチを調整することで、1つの音を色彩的に変化させることができる。

• アーティキュレーション：レガート、スタッカート、アクセントの微妙な変化がフレージングに命を吹き込む。

• 表現：これらすべての微細な変化を統合し、感情的に説得力のあるパフォーマンスを作り上げること。

感情の状態に大きく影響されるこのような微小な変動が、技術的に正しい演奏と深い感動を与える演奏の違いを生むことが多い。神経科学的な研究によると、リスナーは生の音響測定値よりも、このような表現上の小さな揺らぎに敏感であることがわかっている。要するに、音の知覚に関する科学は、ミュージシャンが長い間直感的に理解してきたことを補強するものなのだ。

知覚と経験の間には、否定できない心理的フィードバック・ループがある。ギタリストがギターの音を信じられないと思えば、より自信を持って、より繊細に、より感情的に演奏するだろう。そして聴衆はそのエネルギーを受け取る。この自己成就予言は、美と音は本質的に結びついているという考えを強化する。

音楽演奏における知覚と経験の間には、"自己実現的サウンド現象 "とでも呼ぶべき、魅力的な心理的フィードバックループがあります。バンデューラ(1977)による演奏心理学の研究は、自己効力感（成功する能力に対する信念）がいかに演奏結果に直接影響するかを実証している。

ギタリストが優れた楽器、特に視覚的に印象的な楽器を演奏していると思うとき、いくつかの心理的メカニズムが作動することが記録されている：

5.1.信頼感向上効果

演奏心理学の研究は、自信が運動制御の精度を変えることを示している。Fritzら(2007)は、高品質だと信じている楽器を演奏している音楽家は、その演奏が明らかに優れていることを発見した：

• ピッチの正確さ：自信のあるミュージシャンは、より一貫したイントネーションを維持し、プレッシャーの下で起こりうる微小音のズレを軽減する。

• リズムの正確さ：安定した演奏者はリズムの安定性が高く、自信喪失によるためらいや過剰な補正を避けることができる。

• ダイナミック・コントロール：自信のあるプレーヤーは、より広いダイナミックレンジを活用し、音楽のストーリー性を高める微妙なボリュームの変化を表現します。

• 音色の一貫性：自信のあるミュージシャンは、音質をより正確に調整し、異なる音域の明瞭さと均一性を確保します。

• 技術的な流暢さ：自己肯定感が高まることで、音符間の移行がスムーズになり、機械的な硬さが軽減され、より表現力豊かなアーティキュレーションが可能になる。

これらの要因は、音楽家が自分の楽器の質を信じることで、心理状態が技術的な実行力と表現力に直接影響するという自己強化サイクルが育まれることを示している。

Sloboda(2000)の研究は、心理的・生理的メカニズムの複雑な相互作用を通じて、演奏家の期待がいかに音楽的成果を形成するかを明らかにしている。このループは音楽家が自分の楽器、環境、演奏の背景について先入観を持つことから始まり、それが技術的な実行力、表現力、聴衆の知覚に直接影響を与える。

1. ポジティブな期待効果：

• 筋肉の緊張を和らげ、アーティキュレーションを向上させる。

• 運動制御を強化し、音とダイナミクスの間をよりスムーズに移行できるようにする。

• 細かい運動精度を向上させ、音楽家がピッチの安定性とリズムの正確性を維持できるようにする。

• 感情移入を促し、音楽の中でよりニュアンスのある表現やストーリーテリングを可能にする。

2. 負の期待効果：

• 緊張をもたらし、ダイナミックな流動性を低下させる可能性がある。

• 認知的な処理が損なわれ、リアルタイムでの音楽の調整が困難になる。

• 自己効力感が低下し、自信がなくなり、慎重でやる気のないプレーになる。

3. フィードバックと強化：

• 音楽家が演奏の成功を認識すれば、自信が生まれ、将来の演奏に対する肯定的な期待が強まる。

• ポジティブなフィードバックのループが繰り返されることで、技術の習得、スタイルの探求、より高いレベルの芸術的創造性が促される。

• 観客の反応は、期待サイクルにさらに影響を与える。熱狂的な歓迎は、自分の能力への確信を強め、将来のパフォーマンスをさらに高める。

このループを通じて、認識された期待と実際の実行との間の相互作用は、自己成就予言となり、楽器の音、品質、美的魅力に対する信念が、演奏者と聴き手の両方がどのように演奏し、経験するかに直接影響する。

デイヴィッドソン（1993）は、演奏家の自信のレベルは、微妙な演奏の合図を通して聴衆に知覚され、演奏家と聴衆の両方の関与を高めるフィードバック・ループを生み出すことを実証した。音楽家が自分の演奏に深く没頭しているとき、聴衆は自分の感情的反応に影響を与える様々なシグナルを拾い上げ、ダイナミックなエネルギーの交換につながる。この現象は、いくつかの重要な要素に分けることができる：

1. ボディランゲージと姿勢：自信に満ちたパフォーマーは、開放的で広がりのある姿勢を示し、それは彼らの快適さを反映するだけでなく、無意識のミラーリングによって観客を引き込む。

2. ジェスチャーによるコミュニケーション：表現豊かな手の動き、顔の表情、楽器のジェスチャーは、音を超えて感情を伝え、意図したムードや物語を強化する。

3. マイクロ・タイミング・バリエーション：テンポとアーティキュレーションの微妙な変化は、しばしば演奏者の感情状態によって形成され、聴く者を魅了する自発性と感情的な信憑性を生み出す。

4. ダイナミックなコントラストと表現力：自信のあるミュージシャンは、音量の変化、フレージング、音色の変化など、より大きなリスクを冒し、より魅力的で没入感のある体験をもたらします。

そして聴衆は、集中力、生理的な同期（心拍や呼吸のパターンが音楽のフレーズと一致するなど）、拍手や動きなどの外見的な表現を通じて、これらの合図に反応する。このエンゲージメントの高まりが演奏者の自信を強化し、表現力強化の自己持続的なサイクルにつながる。Leman & Maes (2014)の研究では、この現象を「身体化された音楽コミュニケーション」と表現しており、音、動き、知覚が音楽体験を共有する中で深く絡み合っている。

Juslin & Västfjäll (2008)が指摘するように、これは単なるプラシーボ効果ではなく、心理状態が演奏パラメータに測定可能な変化をもたらすという、文書化された現象である。楽器の品質に対する信念は、しばしばその美しさに影響され、技術的な実行、表現の自由、聴衆の受容に影響を与える自己強化サイクルを開始する。このプロセスは次のようなものによって促進される：

1. 神経筋反応：自信の向上により筋肉がリラックスし、指の器用さ、ブレスコントロール、全体的な演奏のしやすさが向上する。

2. 認知的効率：ポジティブな期待は集中力とワーキングメモリーを高め、音楽家が複雑なパッセージをより正確に処理できるようにする。

3. 表現力豊かなアンプリフィケーション：楽器に感情移入することで、より豊かなダイナミックレンジとニュアンス豊かなアーティキュレーションが得られます。

4. フィードバックの強化：聴衆は表現力豊かな演奏に好意的な反応を示し、音楽家の自信と芸術的リスクテイクをさらに強化する。

知覚、演奏、反応のこの複雑な相互作用を通して、美は音楽の出力に具体的な影響を及ぼし、私たちが見るものが聴くもの、そして私たちがどのように演奏するかに影響を与えることを実証している。

このことは、ブラインド・リスニング・テストがしばしば楽器のクオリティの現実を完全に捉えることができない理由の一助となる。このようなテストは、実際の演奏状況に存在するこの重要なフィードバックループを排除してしまう。楽器との視覚的・触覚的な結びつきがなければ、音楽家は表現上の決断に影響を与える重要な関わりを失う。研究によると、音楽家は楽器の反応性の認識に基づいてテクニックを調整し、ダイナミクス、アーティキュレーション、音色のバリエーションにつながる。Thompson(2006)がギター音響の研究で観察したように、演奏者と楽器の関係はダイナミックで双方向的である。美的感覚や楽器に対する感情的なつながりといった要因に影響される演奏者の心理状態は、技術的な演奏や芸術的な表現に大きな影響を与える可能性があり、美しさと演奏性は深く絡み合っているという考えを補強しています。

楽器の美しさに対する私たちの理解は、単独で形成されるものではなく、文化的背景や歴史的伝統に深く組み込まれています。この文化的な枠組みが、私たちが美をどのように認識し、その認識が音にどのような影響を与えるかを形作っているのです。音楽の美学は、文化的なムーブメント、地域の職人技、技術の進歩とともに進化し、美しいとされる素材、デザイン、仕上げを形成しています。

例えば、クラシック・ギターの美学はヨーロッパのルシアーの伝統に影響を受けてきたし、エレキ・ギターの視覚的アイデンティティは20世紀半ばの工業デザインとロック文化によって形作られてきた。東洋音楽の伝統では、シタールや琴のような楽器が、その起源の文化的・哲学的価値観と共鳴する独特の美学を体現している。

さらに、歴史的な傾向は、理想的な楽器を構成するものに対する私たちの認識に影響を与えます。ヴィンテージ楽器は、その経年変化による仕上げや磨耗の跡が美しさや音色の豊かさに貢献し、崇敬の対象として扱われることが多い。逆に、現代の楽器メーカーは、革新的な素材や未来的なデザインを探求し、新しい音の可能性を追求するために、従来の美の概念に挑戦している。

このように、私たちの音楽美の体験は、伝統、個人的な経験、そして現代的な影響との間の複雑な相互作用であり、美的鑑賞は生得的な反応であると同時に、学習された行動であることを示している。

楽器の視覚的言語は何世紀にもわたって進化し、音楽学者が「デザイン・ボキャブラリー」と呼ぶ、伝統、品質、革新性を伝える豊かで複雑な審美的手がかりのシステムを作り上げてきました。形状、素材の選択、象眼細工、仕上げの技法、金具など、これらの視覚的要素は芸術的表現としてだけでなく、楽器の機能、文化的アイデンティティ、職人技を示す記号としても機能します。時代とともに、地域的、様式的嗜好がこれらの語彙の多様化に寄与し、楽器が視覚的、音響的にどのように認識されるかに影響を及ぼしてきた。

Buen (2006)の研究によれば、美的嗜好が音楽の発展とともにどのように進化し、文化的傾向、技術の進歩、芸術的影響によって形作られてきたかが示されている。歴史を通じて、楽器の視覚的な魅力は社会的な嗜好を反映するだけでなく、演奏技術や演奏環境、さらには作曲スタイルにまで影響を及ぼしてきた。

例えば、バロック時代の楽器の精巧な装飾は、その時代の音楽の壮大さと複雑さを反映しています。一方、現代のエレキ・ギターのミニマルで洗練されたデザインは、現代の美学と製造効率に合致しています。様々な時代における仕上げ、インレイ、構造デザインの進化は、ミュージシャンやルシアーたちが、芸術的・文化的な変化に合わせて楽器を絶えず変化させてきたことを浮き彫りにしています。

さらに、楽器の美しさを感じることは、しばしばその楽器の音質と関連しており、美学と聴覚体験の心理的な結びつきを強めている。ブエンの研究は、美的感覚は単なる表面的な考察ではなく、感情的・認知的なレベルでの楽器との関わり方の基本的な側面であることを強調している。

Meyer(2006)の研究では、美的知覚に影響を与える重要な変数を特定し、感覚的、認知的、文化的な要因がどのように絡み合って楽器の鑑賞を形成するのかを明らかにしている。これらの変数は以下のように分類できる：

1. 感覚処理：私たちの脳が視覚、聴覚、触覚の刺激をどのように処理するかは、楽器の美しさをどのように感じるかに影響する。色、質感、構造的な調和の相互作用は、楽器が演奏者にどのように「感じ」られ、聴衆にどのように受け取られるかに影響する。

2. 文化的条件づけ：美的基準は歴史的伝統や社会規範によって形成される。ある音楽文化圏で美しいとされるものが、別の文化圏で同じ魅力を持つとは限らない。例えば、クラシック楽器の華麗なディテールは、現代の実験的ギターのミニマルなデザインとは大きく異なる。

3. 感情的な反応：楽器の美しさは、しばしば感情的な反応を引き起こし、奏者と楽器との間に深いつながりを生み出します。研究によると、自分の楽器を美しいと感じる奏者は、感情移入しやすく、より表現力豊かな演奏ができる。

4. 象徴的価値：楽器は機能的な目的を超えて象徴的な意味を持つ。楽器の美的デザインは、職人技、威信、革新性といった価値を伝えることができ、音楽家の自己認識と聴衆の受容の両方に影響を与える。

5. 文脈上の関連性：楽器の美しさは、その楽器が意図する音楽のジャンルや演奏の場と関連することが多い。装飾性の高いバロック・ヴァイオリンは歴史音楽のアンサンブルで評価されるかもしれないし、洗練された未来的なエレクトリック・ギターはモダン・ロックやアヴァンギャルドなジャンルに合うかもしれない。

これらの変数を理解することで、音楽家、楽器製作者、聴衆は、美を恣意的な要素としてではなく、音楽の芸術性と経験の不可欠な要素として評価することができる。彼の研究は、美的判断が感覚的処理、文化的条件付け、感情的反応の複雑な相互作用によって影響されることを強調している。これらの重要な変数には以下が含まれる：

文化的背景

音楽の伝統 - 地理的起源 - 歴史的時代 - スタイルの背景 - 演奏実践

個人的な経験：

プレー歴 - 学習環境 - 教師の影響 - 本番の状況 - 個人の好み

音楽トレーニング：

技術的アプローチ - スタイルの焦点 - 流派 - パフォーマンスの伝統 - 指導の系譜

Dawe（2003）による民族音楽学的研究は、歴史的伝統、地域の職人技、社会的価値観を反映して、美の基準が文化によっていかに異なるかを明らかにしている。楽器に対する美的嗜好は、入手可能な材料、象徴的な意味、音質に対する文化的な連想といった要因によって形成される。ある文化では、複雑な装飾や細かな彫刻が楽器に対する威信や畏敬の念を意味し、別の文化ではシンプルさと機能性が優先される。このような美的な変化は、楽器がどのように認識されるかだけでなく、どのように演奏され、音楽の伝統の中に組み込まれていくかにも影響を与える。

現在の研究では、伝統的な美学のダイナミックな進化に焦点を当て、その中核となる芸術的・文化的価値を維持しながら、現代のニーズにいかに適応しているかを実証している。この適応は、技術の進歩、芸術的嗜好の変化、楽器設計における人間工学的・機能的配慮の必要性の高まりの影響を受けている。歴史的なクラフツマンシップを尊重し、現代的なイノベーションを取り入れるというバランスによって、伝統的な美学は、常に変化し続ける音楽の状況の中で、適切な存在であり続けることができるのです。

美的要素は、職人技、耐久性、音色の可能性などを即座に知る手がかりとなり、品質評価の視覚的な近道となります。これらの要素は、第一印象に影響を与えるだけでなく、楽器の価値や魅力に関する長期的な認識を形成します。木目の選択、仕上げの質、インレイのディテール、全体的なデザインのまとまりは、楽器の素晴らしさの認知に貢献します。加えて、ギターのボディの湾曲や指板記号の複雑さといった微妙な美的選択は、洗練と熟練の感覚を呼び起こし、ミュージシャンと楽器との結びつきを強めます。

楽器の科学的研究によって、測定可能な音響特性と知覚される音質との間に興味深い断絶があることが明らかになった。このズレは、認知バイアス、感情的関与、美的鑑賞が絡み合って私たちの音体験を形作る聴覚知覚の主観的性質を浮き彫りにしている。美が音に与える影響は、単純な因果関係よりも複雑で、期待感や親しみやすさ、さらには楽器の視覚的な魅力といった要因によって、その音色特性の感じ方が大きく変化することを理解するのに役立ちます。さらに、心理学や神経審美学の研究によれば、私たちの脳は重なり合う神経経路を使って美と音を処理しており、目に見えるものと耳に聞こえるものとの間に深いつながりがあることが示唆されている。

 7.1.測定のパラドックス

Fritzら（2012年）の研究では、ブラインドテストにおいて驚くべき結果が明らかになり、熟練した音楽家でさえ、モダン楽器と歴史的楽器を音だけで確実に区別できないことが多いことが実証された。彼らの発見は、楽器の血統に関する先入観が知覚に大きく影響することを示唆している。この研究は、視覚的・心理的要因が音質の主観的評価を形成するという、音楽評価における期待バイアスの役割を浮き彫りにしている。

音響測定は楽器を分析し比較するための客観的な手段として役立ちますが、主観的な音楽体験と必ずしも一致するとは限りません。楽器の音質を数値化するのに役立つ主なパラメータは以下の通りです：

- 周波数特性曲線：楽器によって異なる周波数がどのように増幅または減衰するかを測定し、音色のバランスと明瞭さに影響を与える。バランスの取れた周波数特性は、心地よく響く音と関連付けられることが多い。

- 倍音分析：楽器が発する倍音を調べ、その音の豊かさや複雑さを判断する。倍音成分が多い楽器は、より暖かく、表現力が豊かだと感じられる傾向がある。

- サスティーン特性：演奏後の音の持続時間と響きの変化。一般的にリード・ギタリストには長いサスティンが望ましく、リズム奏者にはパーカッシブなアタックと素早いディケイが好まれる。

- プロジェクション・パターン：音の空間への拡散の仕方で、演奏環境での楽器の伝わり方に影響する。楽器によっては、増幅器を使用しない方が効率よく音が出るように設計されているものもある。

- ダイナミック・レンジ：音量の変化を明瞭に表現できる楽器の能力。ダイナミック・レンジが広いと、特にニュアンス豊かな演奏スタイルにおいて、表現の可能性が広がる。

これらの測定は重要な洞察を与えてくれますが、音楽家と楽器の間の相互作用を完全に網羅しているわけではありません。感情的な関与、奏者の反応、知覚される美しさはすべて、楽器が最終的にどのように経験され、評価されるかに影響する。

ブラインド・リスニング・テストは、楽器の品質に関する従来の常識を常に覆してきた。演奏者が演奏している楽器を見ることができない場合、彼らの好みはしばしば予期せぬ形で変化する。このようなテストからは、いくつかの重要な発見がある：

- プロの音楽家は、ストラディヴァリとモダン・ヴァイオリンの区別がつかないことが多い。ストラディヴァリウスの楽器が尊敬されているにもかかわらず、ブラインドで演奏した場合、音楽家はモダン・ヴァイオリンと同等、あるいはそれ以上に高く評価することが多いという研究結果もある。

- ブラインドテストでは、演奏者は新しい楽器を好むことが多い。多くの音楽家は、視覚的な手がかりを奪われると、血統に関係なく、より演奏しやすい楽器、より反応しやすい楽器、あるいは単によく映る楽器に引き寄せられる。

- 測定された音響特性は、一貫して好みを予測するものではありません。周波数レスポンスやレゾナンスは数値化することができますが、これらの要素が必ずしもミュージシャンが最も楽しいと感じる演奏やインスピレーションと一致するとは限りません。

- 実験室でのテストでは、実際の演奏の質は把握できない。科学的テストの管理された条件は、快適さ、美しさ、感情的なつながりが演奏に影響を与える、実際の演奏のニュアンスをしばしば取り除いてしまう。

- 管理された条件下では、重要な状況要因が排除される。楽器の感触、重さ、奏者の視覚的・触覚的なつながりは、ブラインドテストではすべて排除される。

Bissinger(2008)の研究は、標準的な測定がなぜ不十分なのかを示しており、伝統的な音響測定基準では音楽家と楽器の間の微妙な相互作用を捉えられないことが多いことを強調している。周波数特性、ハーモニックコンテント、サステイン持続時間は貴重なデータを提供しますが、ミュージシャンのタッチ、意図、知覚によってもたらされるダイナミックな変動性を説明するものではありません。物理的特性と心理的関与の相互作用は、標準的なテスト方法で定量化できるものを超越した経験を生み出します。このギャップは、客観的なテストでは同じような測定をする楽器でも、経験豊富な奏者にとっては感じ方や響きが大きく異なる理由を説明します。

伝統的な音響測定は、楽器のレゾナンス、サスティーン、周波数特性について貴重な洞察を与えてくれますが、音楽家と楽器のダイナミックな相互作用を説明できないことがよくあります。これらの標準的な測定基準は、奏者が触覚や聴覚からのフィードバックに基づいて奏法を適応させる微妙な方法を見落とし、楽器の真の表現力を不完全に理解することにつながります。さらに、知覚される演奏性、感情的な関与、美的な影響といった要素は、周波数分析や波形マッピングだけでは捉えきれません。その結果、ミュージシャンは測定可能な品質と主観的な経験の組み合わせに基づいて購入や演奏を決定することが多く、客観的なデータと現実の演奏との間のギャップが浮き彫りになっています。

ユスリンの研究は、測定を回避する重要な演奏要素を特定し、技術的な実行と感情的な表現力との間の複雑な関係を浮き彫りにしている。彼の発見は、ピッチやリズムのような定量化可能な要素を超えて、フレージング、アーティキュレーション、音色の微妙な変化が、聴き手の音楽性の知覚に大きな影響を与えることを強調している。これらの微妙な要素は、音楽家の心理状態、演奏環境、楽器の反応性によって形成されることが多く、従来の音響分析では捉えきれなかった解釈の深みを生み出している。

7.4.美の神経処理

神経科学の研究は、美が知覚にどのような影響を与えるかを明らかにし、美的に心地よい刺激が、眼窩前頭皮質や側坐核といった脳の報酬中枢を活性化させることを実証している。この神経学的反応は、認知的関与、感情的共鳴、感覚的処理を高め、注意力、記憶保持、全体的な演奏の質の向上につながる。音楽的な文脈では、視覚的に印象的な楽器と対話する演奏者は、意欲の高まり、より洗練された運動制御、より深い感情表現を経験し、最終的に芸術的な成果やリスナー受けを形成する可能性がある。

現代の研究では、複数の要因が組み合わさって、楽器の知覚品質や演奏体験を形成していることが明らかになっています。これらの要素には、音響特性、素材構成、見た目の美しさ、人間工学に基づいたデザイン、心理的知覚などが含まれます。研究によると、音楽家が楽器に夢中になるのは、その音だけでなく、感触、演奏性、外観にも影響されることが分かっています。楽器の美観に対する認知的・感情的反応は、自信や演奏スタイルに影響を与える可能性があり、美しさは単なる表面的なものではなく、音楽体験に不可欠な要素であることを示している。

この研究は、音楽の演奏、楽器のデザイン、奏者の心理を理解する上で重要な意味を持つ。美学、知覚、実行の相互作用を探求することで、客観的な音質を超えて、美しさが音楽的関与にどのような影響を与えるかに光を当てている。これらの知見は、以下のような貴重な洞察を与えてくれる：

楽器メーカー： 

技術的品質と審美的品質のバランス - 心理的要因の考慮 - 伝統的アプローチと現代的アプローチの統合 - 複数の感覚領域への対応 - 選手の経験に焦点を当てる

ミュージシャン：

パフォーマンスにおける美の役割を認識する - 感情的なつながりを考慮する - 個人的な反応を重視する - 状況要因を理解する - 複数の品質次元を評価する

レーマンは、音楽演奏の質は相互に結びついた3つの次元で存在し、それぞれが音楽家の芸術性と聴衆の関与を形成する上で重要な役割を果たすと示唆している。これらの次元は、音楽家がどのように曲を解釈するかだけでなく、聴衆がどのように演奏を受け止め、どのように演奏とつながるかにも影響を及ぼし、深く絡み合っている。それぞれの次元は他の次元と相互作用し、音楽的表現と技術的精度を高めるフィードバック・ループを生み出す。

技術的実行

技術的な実行は、正確さ、器用さ、タイミング、コントロールなど、音楽家の演奏の測定可能な側面を包含する。この次元は以下のように定義される：

• 正確さ：音符、リズム、アーティキュレーションを、最小限のズレで、意図したとおりに演奏する能力。

• 一貫性：さまざまなパフォーマンスやセッティングにおいて、安定した実行を維持する能力。

• コーディネーション：手、指、体の動きを同期させ、流れるようなシームレスなプレーを実現すること。

• コントロール：ダイナミクス、フレージング、テンポを巧みに操り、明瞭さを保ちながら音楽表現を高める。

• テクニックの適応性：異なる音楽的文脈、楽器、演奏空間に応じてテクニックを調整する能力。

感情表現

感情表現とは、音楽家が演奏を通してどのように感情や意味を伝えるかを指す。以下のようなものが含まれる：

• フレージングの感受性：感情的な深みを増すために、音楽のフレーズを微妙に形作ること。

• ダイナミックなニュアンス：ラウドネスの変化を利用して、コントラストやドラマを作り出すこと。

• 調色：ムードやスタイル、意図を反映させるためにトーンを調整すること。

• 表現力豊かなタイミング：個人的な解釈を加えるためにテンポ（ルバート）に若干の修正を加える。

• 肉体的な関与：情熱や激しさを伝える体の動きや表情。

リスナーとのコミュニケーション

この次元では、音楽がいかにテクニックや感情を超越して聴衆とつながるかを探求する。それには以下が含まれる：

• ステージ・プレゼンス：聴衆を視覚的、感情的に魅了し、引き込む能力。

• 解釈の明確さ：音楽家の芸術的ビジョンが聴き手に明確に理解されるようにすること。

• 観客との交流：観客のフィードバックやエネルギーに応える能力。

• 文化的・様式的認識：聴き手の背景や期待に基づいて、異なる聴き手が演奏をどのように受け止めるかを理解する。

• 物語のつながり：音楽を通して説得力のあるストーリーを語る能力。

美の影響は3つの次元すべてに及び、心理的、感情的、物理的な相互作用の複雑な網を作り出します。美しいギターが本質的に良い音を奏でるわけではありませんが、感情移入を高めることでより良い演奏を促し、それが良い音につながるのです。

そんなことはない。打ちのめされた」遺物でも、フランケンシュタインのような作りでも、型破りなデザインでも、息をのむようなトーンを生み出すことはできる。実際、歴史上最も象徴的なギター・サウンドのいくつかは、明らかに型破りな楽器から生まれている。ウィリー・ネルソンの "Trigger "は、トップにぽっかりと穴が空いたマーティンN-20クラシック・ギターで、カントリー・ミュージックの最も記憶に残るレコーディングのいくつかに貢献している。キース・リチャーズの "Micawber "テレキャスターは、原始的とは言い難いが、ローリング・ストーンズのサウンドを決定づけた。

美学と音の関係は、単純な美しさイコール良い音色というよりも、もっと微妙なものだ。Bijsterveld & Schulp (2004)による音楽認知の研究によると、楽器は彼らが「キャラクター・バリュー」と呼ぶものを獲得することができる。

この現象にはいくつかの要因が寄与しており、奏者の知覚と聴衆の楽器の音質に対する受容の両方に影響を及ぼしている。これらの要素が絡み合って、美学、感情的なつながり、音楽表現の間に複雑な相互作用を生み出している。これらの要素を理解することは、型破りな外観を持つ楽器が、そのユニークな音色特性や歴史的意義のために、いまだに大切にされている理由を説明するのに役立ちます。

9.1.代替美学

楽器における美の概念は、シンメトリー、自然のままの仕上げ、華麗な職人技といった伝統的な理想に限定されるものではありません。多くの場合、型にはまらない美しさを持つ楽器は、意図的なデザインの選択であれ、長年の使用による自然な磨耗であれ、その芸術的・感情的価値を高める独特の個性を生み出します。このような代替美には、以下のようなものがあります：

• 素朴でミニマルなデザイン：ルシアーやプレイヤーの中には、装飾よりも機能を重視し、削ぎ落とされた、未完成の、あるいは工業的な外観のギターを好む人もいます。このような楽器は、本物や個性を優先するミュージシャンにアピールすることが多い。

• エイジングとレリック多くのギタリストは、歴史や個人的なつながりを示唆するような、使い古されたような外観を実現するために、意図的に楽器を探し出したり、人工的にエイジングを施したりする。その魅力は、"生きてきた "楽器の視覚的な物語にある。

• 斬新な形と素材：楽器作りの革新により、カーボン・ファイバー、アルミニウム、再生木材などの代替素材で作られたギターが登場しています。これらのデザインは、従来の美学に挑戦し、音色や響きに新たな可能性をもたらします。

• カスタマイズと個人的表現：アーティストたちはしばしば、自分の楽器を独自の塗装や彫刻、実験的なハードウェアで改造し、自分のアイデンティティの延長に変身させる。

これらの代替的な美学は、単なる視覚的な奇抜さではなく、音楽家が楽器とどのように接するかに影響を与え、より深いつながりを育み、音色や演奏の質という点で、楽器がどのように認識されるかにまで影響を与える。 美」を構成する要素は、音楽文化やジャンルによって大きく異なる。

Meyer(1981)は、ミュージシャンがしばしば、摩耗の痕跡を単なる使用履歴以上のものと関連付けることを発見した。傷やへこみ、磨耗した仕上げなど、こうした経年変化の兆候は、本物であるという知覚につながり、感情的、音響的な関与を高める。この現象は、以下のようないくつかの要因に影響されます：

• 確かな信頼性：摩耗が見られる楽器は、時の試練に耐えてきたと認識されることが多く、ライブ演奏やレコーディングでの信頼性が高まります。

• 歴史的意義：目に見える摩耗がある楽器は、有名なミュージシャンや特定の時代と結びついているなど、遺産を背負っていることが多く、より好ましく価値がある。

• 音色の成熟：多くのミュージシャンは、よく演奏された楽器は、長年の振動と素材の経年変化により、音色が「開き」、より豊かで響きのある音を出すと信じている。

• 演奏の真正性：身につけた楽器は、経験と熟練を示すことができ、ミュージシャンの信頼性とその技術に対する個人的なつながりを強める。

美学、歴史、知覚の間のこの深いつながりは、原始的であろうと風化していようと、美しさが私たちと楽器の関係を形作る複雑な方法を浮き彫りにしている。

Pfordresher (2019)の研究は、楽器に対する親しみや個人的な歴史が、音楽家の経験や演奏の質を形成するという点で、視覚的な美しさを凌駕する可能性があることを示している。長年にわたって演奏されてきた楽器は音楽家の延長となり、あらゆる傷、修正、不完全さが快適さと感情的な愛着に寄与する。この現象は、音楽家と楽器との関わり方のいくつかの側面に影響を与える：

演奏の快適さ - 感情的なつながり - 演奏の自信 - 音色の満足度

ここで重要なのは、美しいギターだけが良い音を奏でるということではなく、あらゆる形の美しさが私たちの音に対する知覚を高めるということだ。その美しさが型にはまったものであろうと、型にはまったものでなかろうと、それに対する私たちの感情的なつながりほど重要ではないのだ。

ルシアーにとって、この研究は、美学が重要であることを示唆している。楽器の視覚的要素は、その魅力だけでなく、機能性や音楽家の心理的な関与を高めるために注意深く設計されるべきである。素材の選択、フォルムと構造のバランス、伝統的な職人技と現代的な職人技の融合といった要素はすべて、楽器がどのように知覚され、演奏されるかに寄与する。単なる装飾にとどまらず、美学は楽器の人間工学的な快適さ、演奏者の触覚的な体験、視覚的なアイデンティティと音響的なアイデンティティの全体的な調和を形成する上で重要な役割を果たします。楽器の外観と、ミュージシャンの自信、インスピレーション、演奏との関係は、過小評価されるべきではありません。

奏者にとって、この理解は、楽器が与えるより深い心理的、感情的な影響について考えるよう私たちを誘います。楽器の外観、感触、共鳴の仕方は、音楽家の自信、取り組み方、演奏スタイルに大きな影響を与える。美しさは単に外見的な特徴ではなく、音楽的相互作用の本質的な側面であり、奏者と楽器との結びつきを形成する。伝統的な職人技であれ、型にはまらない美学であれ、あるいは磨耗や歴史の痕跡であれ、楽器の視覚的・触覚的な特質は、アイデンティティやインスピレーションの感覚に寄与します。このような関係を認識することで、プレイヤーは自分の楽器についてより多くの情報を得た上で選択することができ、その芸術的、表現的な可能性を最大限に評価することができるのです。

なぜなら、結局のところ、音楽とは周波数やサスティーンだけでなく、私たちにどのような感情を抱かせるかということだからだ。視覚的な美学、感情的なつながり、そして音の出力が複雑に絡み合うことで、ダマシオ（1994）が「ソマティック・マーカー」と呼ぶ、感覚的な体験と感情的な反応の融合が生まれ、それが楽器と私たちの関係を定義するのだ。

本当の」音響特性と「単なる」美的バイアスの間の誤った二分法を超える時が来たのかもしれない。美しい楽器がより良い音を奏でるのは、芸術において美しさが重要だからだ。それは演奏方法だけでなく、聴き方、感じ方、音楽への没入の仕方にも影響する。美的知覚と音の知覚をつなぐ心理的・感情的経路は、私たちの音楽体験が深く多感覚的であることを示している。

音楽家は真空の中で演奏するわけではありません。楽器のデザイン、素材、クラフツマンシップは、その機能性に貢献するだけでなく、奏者にインスピレーションを与え、つながりの感覚を育み、音楽制作のプロセスを向上させます。視覚的に美しい楽器は、自信を与え、より深い関わりを誘い、表現の自由を促します。同様に、聴衆が反応するのは周波数や倍音だけではありません。楽器の外観や演奏者と楽器とのインタラクションなど、演奏体験全体に反応するのです。

これは、楽器の美しさが音色の質や構造の卓越性の代用になるという意味ではありません。むしろ、美的な魅力は、演奏性、音の出方、触覚的なフィードバックと連動し、音楽家と楽器の関係に不可欠な要素であることを強調しているのです。最高の楽器は単なる道具ではなく、ミュージシャンの芸術性の延長であり、クラフトマンシップの体現であり、個人的な表現の器なのだ。

結局のところ、音楽は芸術であり、芸術は本質的に美と結びついている。その美しさが、綿密に設計された楽器のエレガンスであれ、使い込まれた愛着のあるギターの魅力であれ、アヴァンギャルドなデザインの大胆さであれ、測定可能なものであれ無形のものであれ、私たちの経験を形作るものなのです。この真実を認識することで、私たちは楽器を単に機能的なものとしてではなく、インスピレーションや感情、そして音楽を奏でるという人間らしい行為の触媒として評価することができるのです。

これは、音響科学を無視したり、視覚的な魅力のためだけに割高な価格を支払うべきだという意味ではない。しかし、それは私たちの音楽体験が本質的に多感覚的で感情的に複雑であることを認めるということです。たとえ美しさと音響性能の間に直接的な因果関係がないとしても、美しいギターは、私たちの感情の状態と演奏の質との直接的な相関関係を通じて、より豊かで意味のある音楽体験の一部となるのです。

因果関係ではなく、相関関係だ。

今度、安物の輸入ギターでAC/DCばかり弾いている「美しさなんてどうでもいい」団塊世代のおじさんにそう言ってやってくれ。

ベルフォルティは美しいし、他のどんな楽器よりも音がいい。

誰がそんなことを？僕だよ。

私は正しく、あなたは間違っている。