IRYW：ギターは高価であるべきだ

私が何百回も、何らかの形で交わしてきた会話があります。それは工房 で、InstagramのDMで、美しい楽器の動画のコメント欄で繰り広げられます。その会話は称賛から始まり、好奇心へと移り変わり、そしてほぼ必ず、同じ一言で締めくくられます：

「ギターにしては、ずいぶん高いね。」

この点について率直に言及したいと思います。なぜなら、その一文に潜む前提が、いつの間にか私たちの業界において最も有害な考えの一つとなってしまっているからです。それが有害なのは、失礼だからというわけではありません――決してそうではありません。有害なのは、それが間違っているからであり、この点について誤った認識を持つことには結果が伴うからです。それは、私たちが楽器に期待するものを歪めてしまいます。市場が支持しようとするものを歪めてしまうのです。 そして、それは、本格的な楽器の製作をそもそも可能にしている技術、知識、素材に関する専門知識というエコシステムを、徐々に締め付けていくのです。

つまり、ギターは高価であるべきだ。すべてのギターがそうというわけではない――その点については後で触れる――が、真に「ギター」と呼べるもの、つまり手抜きを一切せずに作られるべき方法で製造されたギターは、それ相応の価格であるべきだ。そして、常識的な世界であれば、その価格に誰も驚かないはずだ。

これがその主張です。

その箱の中には何が入っているの？

まずは楽器そのものから話を始めましょう。というのも、この議論の大部分にはある単純な問題があるからです。ギターを買う人のほとんどは、その内部に何が入っているのかを知らないのです。それは彼らが好奇心がないからではなく、業界が40年もの間、中を見ないように仕向けてきたからです。

ソリッドエレキギター 「単純」に見えるこの楽器エレキギター には、少なくとも以下の要素が含まれています。密度、木目の向き、音響特性に基づいてトーンウッド 切り出され、成形されたボディ。ネック 形状、スケール長、指板 、トラスロッドの形状が、10分の1ミリメートルの公差内で計算・加工されなければなりません。その形状に合わせてフレットボード 、半径が調整フレットボード 。フレット。これらはそれぞれ、楽器の全音域にわたってスムーズに演奏できるよう、クラウン加工、レベル調整、仕上げが施されている；特定の弦高とブレイクアングルに合わせてナット ；ブリッジ ハードウェア メーカーの宣伝文句ではなく、実際の弦の挙動に合わせてイントネーションを調整しなければならない；ピックアップ、ポテンショメータ、コンデンサ、スイッチ、配線 構成される電子回路は、配線 楽器のサウンド全体が決まる；仕上げ 通常仕上げ シーラー、フィラー、カラーコート、クリアコートからなる多段階の工程 — は、木材を保護しつつ、その響きを妨げないよう音響的に不活性でなければならない；そして、これらすべてを一つにまとめ、演奏可能な状態セットアップ 。

以上が主なものです。これにはインレイレイや バインディング、ヘッド 、ストラップボタン、トラスロッドカバー、ペグ、ストリングツリー、シールド、原木における木材ブランクの向き、接着時の各部材の含水率、そしてこれらを一貫して行うために必要な十数種類の治具やテンプレートは含まれていません。

アコースティックギターには、まったく別の次元の複雑さが加わります。薄いトップ 、その音響的応答全体を決定づけるパターンで内部からトップ 、サイド板は熱で曲げられ、30年間にわたる弦の張力に歪むことなく耐えうる構造となっており、ネック は破損することなくエネルギーを伝達しなければなりません。さらに、ヴォイシング――つまり、箱が永久に閉じられる前に、その構造的・音響的挙動を調整すること――に関するあらゆる計算も必要となるのです。

これらに謎めいたところなど何一つありません。どれもが大変な作業です。そして、これらの要素の一つひとつについて、作り手が1時間余分に時間を費やすことも、あるいは完全に省略することもできますが、その違いは写真には表れません。

つまらない大人の世界

これは、人々が最も見落としがちな会話の一節です。ギターのコストとは、単に材料費のことではありません。それは「決断」のコストなのです。

ブティック は、控えめに言っても、1本の楽器につき数百もの決定を下します。マホガニービレットを使うか。ネック における木目の向きをどうするか。トップの厚さをどうするか。 ボディにチャンバー加工を施すかどうか、そしてどこに施すか。どのフレットワイヤーを、どのサイズ・合金で使うか。どのピックアップ、どの仕様で巻くか。どのポテンショメータのテーパー特性を選ぶか。どのコンデンサの容量にするか。どの仕上げ 。どの順で切断作業を行うか。どのジグを使うか、あるいは新しいものを作るべきか。昨日の湿度が明日の接着部に悪影響を及ぼすかどうか。

工場は20年前に一度だけそうした決定を下し、その後、同じギターを40万本も生産し続ける。これは道徳的な欠陥ではなく、まさに工場というものの本質そのものである。工場とは本来、そういうものなのだ。しかし、それこそが、工場製のギターと工房 異なる製品である理由であり、また、それらが単に価格の異なる同じ製品であるかのように装うことが、私たちの市場における根本的な混乱の原因となっているのである。

少量生産の楽器を購入する際、あなたが支払っているのは、単に高価な木材の代金ではありません。あなたが支払っているのは、その楽器に対して、その場で、初めてかつ唯一無二の判断を下している作り手の「時間」なのです。その「時間」こそが製品であり、木材は単なる記念品に過ぎないのです。

ちょっとした寄り道

バイオリン店に入ってみてください。実用的な楽器の値段を尋ねて受講者 でも、アンティークでもなく、現役の製作者による現代の楽器、つまり熱心なアマチュアやプロの演奏家が実際に所有するようなものを指します。提示される価格は1万5千から4万ユーロの間になるでしょうが、その場に居合わせる誰も、これを奇妙だとは思いません。

現代を代表する名匠による弓について尋ねてみてください。ペルナンブコ材の棒に馬毛を張った弓なら、通常3,000～8,000ユーロほどします。誰も驚かないでしょう。

手作りのオーボエについて問い合わせてみてください。価格は1万2000ユーロからで、2年間の待ちリストがあります。というのも、この仕事ができる職人の数は、世界中を探しても一部屋に収まるほど少ないからです。

さて、手作りのエレキギターについて聞いてみましょう。5,000ユーロと聞くと、すぐに「この値段は妥当か」という話題になります。

ここで私が主張していることを明確にしておきたい。私が言いたいのは、バイオリンが「古いから」「神秘性があるから」、あるいは「クラシック音楽がロックよりも文化的威信が高いから」という理由で、その価格に見合う価値があると言っているわけではない。 私が主張しているのは、もっと限定的なことです。すなわち、バイオリン業界の価格構造は、優れた楽器を手作業で製作するのにかかるコストを冷静かつ正確に反映しているのに対し、ギター業界の価格構造はそうではない、ということです。バイオリン業界は、ギター業界ほど大量生産の波に飲み込まれてはいません。価格と労力との間に、誠実な関係が保たれてきたのです。一方、ギター業界は1965年頃を境にその関係を失い、以来回復していません。

現代の手作りエレキギター には、手作りのバイオリンに劣らない技術エレキギター 。必要な技術は異なります――電子回路の要素が多く、アーチ加工は少なく、接合技術や仕上げ技術は同等ですが、可動部品があるためセットアップ かなり高くなります――しかし、求められる技術のレベルが低いわけではありません。 高級品の場合、木材の価格は同程度に高価だ。工具への投資額も同程度である。本格的な工房において、1本の楽器にかかる工数も同程度だ。それにもかかわらず、市場ではバイオリンには1年分の給料に相当する価格が、ギターには週末分の費用が期待されている。

これは、ギターの方が単純だからというわけではない。20世紀後半、ギター市場は、ヴァイオリンの世界では決して見られなかったような形で、工業規模の楽器製造の試金石となったからであり、その時代の価格に対する期待は、それを生み出した状況がすでに過去のものとなった後もなお続いているのだ。

特権の廃止 ― フランスの芸術

こうした状況の根底には、あまり表に出ない議論が潜んでおり、それは、人々が実際にその楽器を手に取る前から、その楽器にいくらまでなら支払う意思があるかという判断を左右するものであるため、明確に指摘しておく価値がある。

その論点はこうだ。クラシック楽器はギターよりも「格調が高い」。より洗練されており、より高度な技術を要し、より敬意に値するものであり、そして――暗黙のうちに――より高額な価格に値するのだ。4万ユーロのバイオリンは気高い品である。4万ユーロのギターは怪しい。前者は文化的価値によってその価格に見合う価値を勝ち取ったような雰囲気を漂わせているのに対し、後者はマーケティングによってその価格を引き出したような雰囲気を漂わせている。

これは社会学的遺産であり、技術的な事実ではない。そして、それが何から受け継がれたものなのか、正確に指摘しておきたい。

ヴァイオリン・ファミリーは、数世紀にわたり、ヨーロッパの特定のクラス楽器であった。その居場所はサロン、音楽院、そしてコンサートホールだった。演奏するのは、何十年も訓練を積んだプロや、レッスン代や楽器代、そして練習に充てる余暇を経済的に賄える家庭に育ったアマチュアたちだった。そのレパートリーは定説として確立され、楽譜に記され、教育機関で教えられ、ヨーロッパの芸術音楽が持つ文化的威信に深く根ざしていた。 一方、エレキギター ――とりわけエレキギター 異なる系譜を持つエレキギター それはクラス 、地域の伝統、独学の演奏者、フォークやブルース、ロックの楽器であった。そのレパートリーは主に口承で伝えられ、演奏者の多くは音楽教育機関の外に存在し、20世紀の大半において、その文化的威信は「控えめ」から「公然と軽視される」までの間をさまよっていた。

これらの歴史は事実です。作り話ではなく、そうでないふりをすること自体が、ある種の不誠実さとなります。バイオリンやチェロは、確かに長い間、最初にギターを手にした人々よりも、より多くの資金と文化的資本を持つ人々のものだったのです。ギターは、その音楽がたとえ優れていても「低俗」と見なされていた人々の間で、確かに普及していったのです。

私が否定しているのは、その推論そのものであって、歴史そのものではありません。その推論とは、「バイオリンはより格式の高い世界から生まれたものであるから、より高貴な対象である」というものであり、また「ギターはより格式の低い世界から生まれたものであるから、より低俗な対象である」というものです。この推論は、価格や価値に関する私たちの議論において大きな役割を果たしていますが、そうしている人々のほとんどは、自分がそのような推論をしていることに気づいていません。

この推論がどのように作用しているかは、複雑さがどのように評価されるかという点に最も明確に表れています。チェロはエレキギターよりも製作が困難な楽器であると広く言われています。この説明は、最も単純な比較においては技術的に正しいものの、本格的な比較においては技術的に誤りです。受講者 ソリッドボディのエレキギターでは、実際には製作の難易度にそれほど大きな違いはありません。 コンサート用チェロと本格的なアーチトップ ――どちらも音色調整が施され、彫刻が施され、それぞれの課題に数十年間取り組んできた製作者によって作られている――は、その深みにおいて比較可能であり、課題は異なるものの、両者の間に明らかな難易度の優劣関係は存在しない。「チェロにははるかに多くの手間がかかる」という主張が成り立つのは、一方の最も単純なバージョンと、もう一方の最も高度なバージョンを比較した場合に限られる。しかし、人々は自分がそうしていることに気づかずに、ついこの比較をしてしまうのだ。 この「難易度の階層」は、実際には難易度の階層などではない。それは、技術的な敬意という言葉を装った、文化的地位の階層に過ぎないのだ。

価格に関するコメントでも、同様の現象が見られます。1万5000ユーロの現代製ヴァイオリンは「高価」に映りますが、それには正当な理由があると受け止められます。なぜなら、ヴァイオリンの世界では高価な楽器が存在しても許容されるからです。 一方、15,000ユーロの現代ギターは、怪しい、あるいは自己満足的だと受け取られがちだ。なぜなら、ギターの世界は、受け継がれてきた文化的記憶によって、手頃な価格の楽器の世界であるべきとされているからだ。これらの楽器は、同等の作業を、同等の労力を費やして、同等の諸経費がかかる工房で製作されている。違いは、誰がそれらを購入すると期待されているか、そしてその購入者が「真剣な愛好家」と見なされるかどうかについて、私たちが受け継いできた認識にある。

私は、ギターがバイオリンを目指すべきだと言っているわけではありません。ギターはバイオリンではなく、バイオリンのふりをするべきでもありません――その道は、質の悪い楽器と、さらに質の悪い音楽へとつながるからです。 私が主張したいのは、真剣に製作されたギターは、他の真剣に製作された楽器と同じだけの、当然の尊厳に値するということです。楽器の社会的起源は、その現在の尊厳を判断する基準にはなりません。マドリードの巨匠が製作したフラメンコ・ギターは、クレモナの巨匠が製作したヴァイオリンよりも劣るわけではありません。その尊厳は異なるものであり、その違いは欠点ではないのです。

この議論の率直な真実は、双方の立場にある人々にとって居心地の悪いものだ。クラシック音楽の継承者は、自分の楽器がプロミュージシャンの楽器よりも自動的に「格が高い」という前提を捨てなければならない。一方、ギター支持者は、その逆の考え――つまり、ギターがポピュラー音楽の系譜に属しているからといって、クラシック楽器が何らかの形で「偽物」だったり過大評価されていたりするという考え――を捨てなければならない。どちらの伝統も社会学的偶然の産物であり、楽器そのものに関する事実ではない。

ギターは世界で最も人気のある楽器です。しかし、それ自体が問題なのではありません。それはギターの歴史に過ぎず、ギターを可能な限り最高の形で作り上げようとする人が手掛ける限り、ギターが持つ可能性の限界を狭めるものではありません。 それとは反対の考えを示すヒエラルキーは、私たち誰よりも古く、私たちが気づくよりも静かに存在している――しかし、「ギターに5,000ユーロは高すぎる」と言いながら、バイオリンに15,000ユーロを支払うことには何の疑問も抱かない、あらゆるコメントの中に、そのヒエラルキーは働いている。問題は楽器そのものではない。問題なのは、そのヒエラルキーなのだ。

おっと、逆だった

このシリーズのタイトルは、その率直さに由来しているのだから、議論を複雑にするような一歩を踏み出してみよう。

一部のクラシック楽器は、高すぎる。本当にそうだ。それは製作過程に不正があるからではなく、この業界がところどころで革新を止めてしまっているからだ。 あるヴァイオリン店では、楽器が「1720年のクレモナ製楽器のような音色だ」と言われることが最高の賛辞とされ、その目標から少しでも外れると失敗と見なされる。ペルナンブコ材が事実上絶滅寸前にあるにもかかわらず、いかなる状況下でも非伝統的な素材には一切手を出さない弓職人もいる。また、1880年代のコンセルヴァトワール・モデル以来、キーシステムを本質的に再設計していないオーボエ製作者もいる。

これ自体が一種の病理である。300年前の作品への忠実さを「卓越性」と定義する楽器の伝統は、その定義上、自らの上限を定めてしまっている。古いアイデアを綿密に再現した複製品には高額な値段を付けることができるが、ある時点で、その代金は「綿密さ」そのものに対して支払われているに過ぎない。なぜなら、そのアイデア自体が、生みの親が亡くなったその日に、もはや価値を生み出すことをやめてしまったからだ。

ギター界には、さまざまな問題はあるものの、このような病理は存在しない――あるいは、CBS買収以前のフェンダーや1959年製レスポールへのヴィンテージ崇拝といった、ごく一部の領域に限られているだけかもしれない。 この業界の最前線では、今もなお真の革新が続いている。ネック 、持続可能な供給源からのトーンウッド 、ピックアップ 、ブレーシングシステム、複合半径やマルチスケール 、カーボンファイバーと伝統的な木工技術の融合、木材の選択非破壊的な格付け技術の応用などだ。 本格的な現代のギターは、本格的な現代の芸術作品となり得る――それは、一世代前には存在しなかった問題を解決しようとする誰かによって、今この瞬間に、今この時代に応えて作られているものなのだ。

それにはお金を払う価値がある。むしろ、ストラディバリウスの型を模した47本目の複製よりも、正直なところ、それにお金を払う価値があると言えるだろう。これが、私がこの肩書きを得るために行っている行動だ。クラシック楽器の市場は、その価値に比べて価格が高すぎる場合がある一方で、ギターの市場は、本来あるべき価値に比べて価格が低すぎる場合が多い。この不均衡は、どちらの方向にも見られる。

意図的に、毎年、より安くなっている

ギターの価格に対する圧力は一方向のみに働き、その勢いは激しい。毎年、「許容範囲」とされるギターの最低価格は、実質ベースでわずかに下がり続けている。毎年、人件費の安い国の新興メーカーが、写真で見れば3倍の価格の楽器と見分けがつかないような楽器を発売している。毎年、ギターの価値をめぐる議論は少しずつ厳しいものになっていく。「Yが手に入るのに、なぜわざわざXを払うのか？」という風潮が強まっているのだ。

これは「最も安い価格への競争」であり、こうした競争の特徴は、仕上げ が存在しないという点にある。常に、より賃金の安い国が存在する。常に、まだコスト削減の余地がある部分がある。常に、自動化できる工程がある。そして、常に、その結果を「これで十分だ」と合理化しようとする買い手が存在する。なぜなら、そうしなければ、自分が支払いたいと思っている価格というものが現実には存在しないことを認めざるを得なくなるからだ。

その結果、何十年にもわたって蓄積された結果、市場は価値を誤って判断するよう条件付けられてしまった。5,000ユーロの楽器を目にした買い手は、この時点で「これは高い」という反射的な反応を示す。しかし、本来持つべき「何と比べて高いのか？」という反応は示さない。フランスに比べて人件費が10分の1の国で製造された量産楽器と比べれば、確かに高い。工房 で作られたヴァイオリンと比べれば、そうではない。この楽器を誠実に作り上げるために実際に必要な労力と比べれば、そうではない。自転車や時計、家具、あるいは同程度の複雑さを持ち、同程度の規模で、同程度の労力をかけて作られた他の製品と比べれば、そうではない。

「最も安いもの」を求める競争は、ギターの価格を下げたわけではありません。それによって、ギターの価格に対する私たちの判断が誤ったものになってしまったのです。これらは別物なのです。

さぁあぁあ……消えちゃった

ここで、私が最も懸念している点について、最も率直に述べたいと思います。

市場が小規模生産から大量生産へと決定的に移行すると、その業界は、後で取り戻すことのできないものを失うことになる。 まず失われるのは、ハイエンドの技術を維持してきた現役の職人たちの存在だ。彼らは、自分たちの仕事に対する需要とは切り離して存在しているわけではない。まるで琥珀に閉じ込められたかのように、市場がバックするのを待ち続けているわけでもない。彼らが引退すれば、工房は閉鎖され、弟子たちは散り散りになり、仕入れ先は倒産し、彼らの手の中に宿っていた知識もまた、彼らと共に消え去ってしまうのだ。

第二に、アプローチの多様性が失われてしまう。マスマーケットでは均一化が重視される。つまり、すべてのギターは、ごく少数の「標準的な」デザインのわずかに異なるバリエーションでなければならない。なぜなら、それこそが量産化につながるからだ。 一方、小規模生産のエコシステムは「多様化」を重視する。あるメーカーはボディのベベル加工を独自に行い、別のメーカーはチャンバー加工を施し、あるメーカーはネック こだわり、また別のメーカーは特定のブレーシングパターンに10年もの歳月を費やしている。多様性こそが楽器の伝統を動かす原動力であり、新たなアイデアを生み出す源泉である。12社のメーカーが存在する業界なら革命を起こしうるが、工場が2つしかない業界ではそれは不可能だ。

第三に、サプライチェーンが失われてしまう。トーンウッド 、小規模な部品メーカー、専門仕上げ 、誰かに頼まれてピックアップ 巻く人々――工場が購入するものしか買われない市場では、こうした人々は誰も生き残れない。彼らは次々と、ひっそりと廃業していき、次世代の製作者たちは貧弱な道具一式を引き継ぐことになる。

そして第四に、知識の伝承が失われてしまう。ギターをきちんと製作する方法を学びたい若者は、学ぶ場が必要だ。学校は重要であり、優れた学校では真剣な取り組みが行われている。しかし、学校はエコシステムの末端に位置している。見習いとして働けるブティック がなく、持続可能な事業を営む小規模な製作者もおらず、この業界での生活が実際にどのようなものかという実例が広範に見られないのであれば――学校は、卒業する頃にはすでに存在しなくなっている職業のために人材を育成することになってしまう。

こうした損失は単なる理論上の話ではありません。隣接する業界では、実際に繰り返し発生してきました。日本の木工の伝統では、わずか2世代の間に専門の工具職人の半数が失われました。フランスの弓製作者（アルシェティエ）の数は、両手の指で数えられるほどわずかです。かつてヨーロッパ3カ国で盛んだった手彫りの銃器は、今や珍しいものとなっています。 そのメカニズムは常に同じだ。市場が、その仕事の原価を反映しない価格を当然のこととして受け入れるようになり、その仕事に従事していた人々は引退するか、あるいは飢えに苦しむことになり、数十年後には誰もが「その知識はどこへ消えてしまったのか」と首をかしげるようになるのである。

カウンターストライク

私は、反論の中でも最も説得力のあるものを真剣に受け止めたい。なぜなら、上記の記述は、かつては富裕層だけが遊んでいた世界への郷愁として読み取られる可能性があり、そのような解釈は誤りであるだけでなく、反論する価値があるからだ。

安価な楽器の価値は確かに存在する。2026年の300ドルの量産ギターは驚くべき製品だ。音程も正確で、練習やライブにも十分な音質を備え、アルバイトで貯めたお金があれば誰でも手に入れることができる。1955年の同じ楽器は、インフレ調整後の価格で言えば、その数倍の値段がしただろう。クラス 子供は、祖父のエレキギター ほぼ間違いなくなかったエレキギター を手に入れることができる。楽器の大量生産により、そうでなければ決してギターを手にすることがなかったであろう何百万人もの人々にギターが届けられた。これは決して小さなことではない。音楽は公共財である。練習もまた公共財である。より多くの人々に演奏を促すものは、第一義的に見て、正当化できるものである。

この点について反論したいわけではない。むしろ、この問題をさらに複雑に捉えたいのだ。

ここで問題となるのは、安価な楽器を擁護する議論には、「安価なギターがないなら、ギターは持てない」という隠れた前提が横たわっている点だ。しかし、この前提は歴史的に見て誤りである。大量生産が始まる以前、一般の人々も確かに楽器を所有していた。所有数は少なかったし、購入までに長い期間貯金が必要だったし、一生涯大切に使い続けたのだ。 産業革命クラス 、平均して、上質な品物が少数しかありませんでした――コート、ブーツ一足、工具一式、時には楽器など――。それらはそれぞれ、数ヶ月あるいは数年にわたる貯蓄の結晶であり、何十年も持つことが期待されていました。家には物は少なかったものの、その品々は質が良く、大切に保管されていたのです。

大量生産が民主化したのは、物そのものへのアクセスではなく、大量の物へのアクセスだった。この違いは重要だ。1900年に2年間貯金をしてパーラーギターを購入した工場労働者は、自分より長持ちする楽器を所有していた。一方、2026年に300ドルの量産ギターを購入した彼の曾孫が所有する楽器は、15年後にはおそらく弾けなくなっており、演奏人生の中で2回は買い替えることになるだろう。 実質的な総支出は、ほぼ同等だ。しかし、生涯で所有するギターの総数は増えている。所有期間の総計は短くなっている。彼に与えられたのは「より多くのもの」ではなく、「より頻繁な買い替え」なのである。

これは、民主化論が省略している物語の一面である。大量生産以前の世界は、富裕層だけが楽器を所有していた世界ではなかった。それは、一般の人々が良質の楽器をめったに手に入れることができず、そのために慎重に貯金をし、長く使い続けていた世界だった。 私たちが経験してきたこの変化は、以前はギターを手に入れることのできなかった人々にギターを普及させたわけではなく、ギターを「所有する」という意味そのものを変えてしまったのだ。かつてそれは、熟考の末に行われる、一度きりの、長持ちする購入を意味していた。しかし今では、使い捨ての品となり、周期的に買い替えられ、決して本気で愛着を持つことのないものとなっている。その変化が結果としてプラスになるかどうかは、ギターの目的をどう考えるかによって決まる。

手頃な価格の楽器の中には、私が心から支持しているものがあります。それは、しっかりとした作りで、20年は持ち、修理も可能であり、労働者に公正な賃金を支払うメーカーによって製造された、400ドルから800ドルのエントリーレベルのギターです。そのギターは、1955年の「受講者 を受け継ぎ、「民主化」という主張の正当な継承者なのです。 それは、労働法のない国から出回る200ドルの使い捨てコピー品とは全く異なるものです。そして、これら二つの製品が同じカテゴリーに属するかのように装うことは、この議論においてもはややめるべき姿勢です。

「手頃な価格」という議論を率直に捉えれば、それは前者のタイプのギターを支持することになる。しかし、現在の議論の流れは、後者を擁護している。これこそが、指摘すべき認識のズレである。

さあ、結論です

ギターを安く手に入れたいなら、その代償を誰かが払っていることになる。それは、持続可能な賃金以下で働かされている製造業者か、年々圧迫され続けるサプライチェーンか、再生不可能な森林から伐採された木材か、あるいは、私たちが受け継いだものよりも技術水準が低下した職業を継承することになる次世代のいずれかだ。「安さ」とは発見ではなく、転嫁に他ならない。 お金は依然として支払われている。ただ、それを支払うのは購入者ではなく、通常は金銭以外の形で支払われているだけなのだ。

その道のプロが、工房 、正当な手段で調達された材料を使い、労働法が整備された国で、きちんと製作されたギターには、それ相応の時間がかかり、それ相応の費用がかかります。その費用は恣意的なものではありません。貪欲さでもありません。「ブティック 」でもありません。それは単純な算数の問題なのです。

次に、本格的な楽器の価格を目にして、「ギターにしては高い」と言いたくなる衝動に駆られたときは、ぜひ別の言い方を試してみてください。「ギターはそれだけの価値がある」と。そして、不思議なことに、世の中には本来あるべき価格よりも安く売られているものがたくさんあるのです。

実のところ、奇妙なのは、良いギターが高価だということではない。奇妙なのは、私たちが2世代にわたって、「良いギターは高価であってはならない」と考えるように自分自身を刷り込んできたということだ。

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