La vérité sur les cordes de guitare et de basse

Les cordes sont la pièce la plus discutée, la plus souvent « améliorée » et la plus mal comprise de l’instrument. Ce sont aussi les moins chères, et c’est précisément pour cela que leur marketing fonctionne si bien : un jeu de cordes coûte moins cher qu’un repas au restaurant (sauf pour nous, bassistes), la tentation de croire que le bon jeu va transformer votre son est énorme, et vérifier cette croyance coûte si peu que presque tout le monde s’y essaie.

Cet article fait ce que fait toute la série : il sépare ce que les cordes font réellement, au son, au toucher, à la justesse, de ce que les catalogues et les forums ont décidé qu’elles faisaient.

La plupart des détails de fabrication sont réels et valent d’être compris. Les différences de matériau sont réelles, quoique plus faibles qu’on ne le croit. Et la variable sonore la plus importante de tout le débat est celle que presque personne ne vous vend, parce que vous la possédez déjà : l’âge de vos cordes.

Nous y viendrons. D’abord, les pièces.

De quoi sont faites les cordes

Le matériau d’une corde est une réalité qui s’entend et qui compte vraiment, mais il se situe bien plus bas dans la hiérarchie que ne le laisse croire la publicité, et il pèse bien plus sur une acoustique que sur une électrique. La version honnête, la voilà.

Sur une électrique, la corde doit être ferromagnétique pour que le micro la capte, ce qui exclut d’emblée le bronze et le nylon. Parmi les matériaux magnétiques, les différences sont réelles mais modestes :

• L’acier nickelé est la norme, et pour cause : une âme en acier pour le niveau de sortie et l’attaque, un placage nickel pour arrondir les angles. Équilibré, polyvalent, des médiums légèrement creusés. C’est ce que la plupart des musiciens perçoivent comme « normal ».
• Le nickel pur est plus chaud et plus doux dans les aigus, avec une attaque plus tendre. C’est le choix « vintage », et la différence avec l’acier nickelé s’entend, mais c’est un changement de saveur, pas un autre instrument.
• L’inox est plus brillant, plus fort et plus résistant à la corrosion, au prix d’un toucher un peu plus rêche et d’une usure des frettes plus rapide. Les musiciens de funk et de metal le choisissent pour le claquant et le mordant.
• Le cobalt et les autres alliages exotiques promettent une réponse magnétique plus forte et plus de niveau. Une partie se mesure. Ce qui en reste à l’aveugle, à travers un vrai ampli, dans un vrai mix, est bien plus mince que ce que suggère l’emballage.

Sur une acoustique, le matériau compte davantage, car il n’y a ni micro ni ampli pour noyer les différences : le caractère propre de la corde est l’essentiel de ce qu’on entend.

• Le bronze 80/20 est net et brillant à la sortie du sachet, mais il s’oxyde vite, et cette brillance a une demi-vie courte.
• Le bronze phosphoreux doit à un soupçon de phosphore sa résistance à la corrosion et un son plus chaud, plus équilibré, plus durable. S’il est devenu la norme sur acoustique, c’est qu’il résolvait un vrai problème, pas grâce au marketing.
• Les cordes soie et acier abaissent la tension pour une voix plus douce et plus feutrée, faite pour le jeu aux doigts.

Sur une classique ou une guitare flamenca, on est entièrement dans le domaine du nylon et du fluorocarbone : nylon clair pour le son doux traditionnel, nylon noir un peu plus sombre pour le flamenco, fluorocarbone plus brillant, plus focalisé, et plus stable à l’accord.

En résumé, l’alliage fixe la saveur. C’est un vrai ingrédient. Mais sur une électrique surtout, il pèse bien peu face aux micros, à l’ampli et, c’est là que tout cet article veut en venir, à la fraîcheur des cordes.

Anatomie : ce qui change le toucher plus que le son

Une corde n’est pas un simple fil. C’est dans les détails de fabrication que se logent beaucoup des vraies différences de toucher, et le toucher est ce que les musiciens attribuent le plus souvent, à tort, au son.

L’âme existe en deux formes. L’âme hexagonale serre fermement le fil de filage : son plus brillant, attaque plus rapide, meilleure tenue de l’accord. C’est la norme moderne. L’âme ronde est l’approche vintage : plus souple, plus ronde, plus chaude, mais plus délicate à monter, car le filage peut glisser si l’on n’y prend pas garde. La différence est réelle, et surtout tactile.

Le filage, c’est le détail que vous sentez sous vos doigts à chaque seconde de jeu :

• Filet rond : la norme. Brillant, texturé, vivant, avec plus de bruits de doigts et une usure des frettes plus rapide.
• Filet plat : filé avec un ruban plat, pour une surface lisse comme du verre et une voix plus sombre, plus retenue. Le choix du jazz, de la basse fretless et du vintage. La douceur est le but.
• Filet demi-rond, ou rectifié : un filet rond poncé pour couper la poire en deux. Un vrai entre-deux, pas un entre-deux marketing.

Le rapport entre l’âme et le filage permet au fabricant de régler la raideur et la réponse : âme plus épaisse, tension et fermeté plus grandes ; âme plus fine, plus de souplesse et de chaleur.

Les boules, les âmes effilées et les âmes apparentes comptent surtout sur la basse et les instruments à tessiture étendue. Une âme effilée ou apparente au pontet réduit la masse juste au point de contact, ce qui améliore réellement la clarté et la justesse d’un si grave : de la vraie ingénierie qui résout un vrai problème, pas un conte de fées sonore. C’est la même physique qui justifie le multiscale : faites bien se comporter la corde grave, et la clarté suit.

Remarquez la tendance. Presque tout ce qui précède change la façon dont la corde se sent sous les doigts et la netteté de son articulation ; la couleur du son proprement dite tient une place plus modeste que ne le laisse croire le catalogue.

Un peu de physique, parce qu’elle tue trois mythes d’un coup

Pas besoin de l’équation pour jouer, mais il en faut une pour cesser de croire n’importe quoi. La hauteur d’une corde qui vibre dépend de trois choses : sa tension, sa longueur vibrante (le diapason) et sa masse linéique (son tirant, pour l’essentiel). La hauteur monte quand la tension augmente, et baisse quand la longueur ou la masse augmentent.

C’est tout. Et ces trois grandeurs réunies dans une seule relation suffisent à démonter le folklore le plus courant :

Elle explique pourquoi le tirant est surtout une affaire de tension et de toucher, pas de son. À même hauteur et même diapason, une corde plus grosse est plus tendue : elle paraît plus raide et résiste davantage. C’est l’essentiel de ce qu’on achète en montant de tirant. Le changement de son est réel mais secondaire, et il découle surtout de la tension, pas d’un « son plus gras » inhérent au fil. (C’est exactement ce que montrait, par l’autre bout, l’article sur le diapason : la tension dépend du tirant, du diapason et de la hauteur ensemble, et les musiciens créditent sans cesse la corde de ce qui est en réalité une différence de tension.)

Elle explique l’inharmonicité, c’est-à-dire pourquoi des cordes épaisses, courtes et raides ont des harmoniques légèrement trop hauts et ne sonnent jamais parfaitement juste en montant sur le manche. Ce n’est pas un défaut du jeu, c’est de la physique. Les gros tirants et les cordes très graves en ont davantage, et c’est en partie pourquoi un si grave mou sonne « faux » même correctement accordé.

Elle explique qu’il n’y a pas de miracle. On ne peut pas avoir à la fois plus de tension, une note plus grave et moins de masse. Chaque choix de cordes est une position dans un compromis à trois termes, et la publicité qui laisse entendre qu’un jeu y échappe vous vend une géométrie qui n’existe pas.

Le tirant : surestimé pour le son, sous-estimé pour le toucher

C’est l’un des mythes les plus nettement réfutables du sujet.

Le mythe : les gros tirants sonnent mieux. Stevie Ray Vaughan jouait avec des câbles téléphoniques, donc plus c’est épais, plus il y a de son.

La réalité : le tirant est d’abord une décision de toucher et de tension, et seulement ensuite une décision de son. En montant de tirant, on obtient surtout plus de tension : un toucher plus ferme, plus de résistance dans les tirés, une réponse plus serrée, plus de marge avant que la corde ne flanche en accordage grave. Tout cela est réel, et c’est la bonne raison de le faire. L’« amélioration » du son que l’on décrit est surtout la conséquence de cette tension plus forte (et, très souvent, du jeu neuf monté en même temps), pas une propriété du diamètre lui-même.

Choisissez donc le tirant selon le travail à faire :

• Léger (8-38, 9-42) : facile sous les doigts et dans les tirés, souple, attaque rapide, un son plus brillant et un peu plus mince. Pour le jeu soliste, le toucher léger, les débutants.
• Moyen (10-46, 11-49) : la valeur par défaut raisonnable. Tension équilibrée, accord stable, plus de corps. Convient à la plupart des styles.
• Fort (12-54 et plus) : plus de tension, plus de force dans les doigts, des graves plus serrés. La bonne raison de les choisir, ce sont les accordages graves et l’attaque musclée, pas une amélioration magique du son.

Pour la basse, les jeux légers commencent autour de 40 et les jeux forts pour cinq et six cordes montent jusqu’à 130 et au-delà. L’équilibre des tensions sur l’ensemble du jeu y devient un vrai problème de conception, ce qui explique que les instruments à tessiture étendue et les multiscale demandent souvent des jeux sur mesure ou à âme effilée plutôt qu’un jeu standard du commerce.

Un piège pratique mérite d’être nommé : changer de tirant, c’est changer de réglage. Un saut de tirant modifie la courbure du manche et la hauteur des cordes : il faut reprendre le truss rod et la hauteur, puis régler à nouveau les octaves. Passez de 9 à 11 sans refaire le réglage, et vous accuserez les cordes de frisures et de problèmes d’accord qui viennent en réalité d’un manche qu’on n’a pas rééquilibré pour la nouvelle tension.

Des cordes pour chaque instrument et chaque style

Le choix des cordes selon l’instrument n’est guère que l’application de bon sens de ce qui précède. Inutile d’en faire un tableau exhaustif : la version courte suffit.

Une électrique demande un matériau magnétique : acier nickelé (le polyvalent), nickel pur (plus chaud, plus vintage) ou inox (plus brillant, plus robuste, plus tranchant). Filet rond par défaut ; filet plat si vous cherchez précisément la voix douce et sombre du jazz ou du vintage, avec moins de crissements.

C’est sur l’acoustique que le choix du matériau se justifie le plus : bronze 80/20 pour le brillant et le tranchant (avec une brillance qui dure peu), bronze phosphoreux pour la chaleur et la durée (le choix sans risque), soie et acier pour la douceur à faible tension.

La basse se joue en filet rond pour la brillance et le punch, en filet plat pour la douceur et la rondeur (le grand classique du reggae, de la soul et du jazz), en filet ruban (tapewound) pour un son encore plus sombre, proche de la contrebasse, et les âmes effilées ou apparentes ont toute leur place sur les cordes graves.

La classique se joue en nylon ou en fluorocarbone, et ne s’échange pas avec l’acier : monter des cordes acier sur une classique conçue pour la tension du nylon, c’est une façon d’abîmer l’instrument, pas une expérience sonore.

Les listes par genre s’en déduisent d’elles-mêmes : le jazz penche vers le filet plat et la chaleur, le metal vers les gros tirants, la brillance et la stabilité, le funk vers la brillance et la réactivité, le folk et le jeu aux doigts vers le bronze phosphoreux ou la soie et acier. Ce sont des points de départ, pas des règles. Tout l’intérêt est de savoir pourquoi chaque association est d’usage, pour savoir ce qu’on échange quand on s’en écarte.

L’essentiel : la fraîcheur, pas la marque

Venons-en à ce que tout le reste annonçait.

Si l’on faisait passer un test à l’aveugle à un musicien sur deux guitares identiques (même modèle, mêmes micros, même ampli, même tirant), l’une avec un jeu neuf de cordes en acier nickelé de milieu de gamme, l’autre avec un jeu neuf de cordes haut de gamme, la plupart des musiciens, la plupart du temps, seraient incapables de dire à coup sûr laquelle est laquelle. Les différences existent, mais elles sont faibles, et noyées par tout ce qui vient après.

Faites maintenant un autre test : un jeu neuf sur l’une, un jeu vieux de trois semaines des mêmes cordes sur l’autre. Presque tout le monde entend la différence immédiatement. Le jeu neuf est plus brillant, plus riche en harmoniques, avec une attaque plus nette et une meilleure justesse. Le vieux jeu est terne, sourd et légèrement faux avec lui-même, parce que la crasse, la corrosion et les microscopiques marques laissées par les frettes ont réparti irrégulièrement la masse le long de la corde et tué ses harmoniques aigus.

Tout est là. La plus grande variable sonore du débat sur les cordes n’est ni l’alliage, ni la marque, ni le revêtement, ni le prix : c’est l’âge. Un jeu neuf de cordes bon marché bat un jeu mort de cordes chères, à chaque fois, avec un écart qui écrase toute différence entre deux jeux neufs. Les produits les plus chers de l’industrie de la corde sont, pour une large part, des réponses sophistiquées à un problème qu’on peut aussi résoudre en changeant ses cordes plus souvent.

Cela change toute la perspective :

• Le musicien qui cherche « plus de brillance » dans des cordes plus chères est très souvent un musicien qui jouait sur des cordes mortes, et qui aurait obtenu le même résultat avec un jeu neuf à cinq dollars.
• L’interminable débat nickel contre inox est réel, mais c’est un débat de saveur, mené par des gens qui ne tombent souvent pas d’accord parce qu’ils comparent des cordes d’âges différents.
• La raison honnête de dépenser plus pour ses cordes n’est presque jamais le son. C’est la longévité, la régularité et la tenue de l’accord : payer pour que le son des cordes neuves dure plus longtemps avant de mourir.

Et c’est exactement là qu’interviennent les revêtements.

Les cordes à revêtement, injustement calomniées

Le mythe : les cordes à revêtement sonnent moins bien, plus ternes, plus mortes, moins vivantes.

La réalité : les cordes à revêtement modernes cèdent un peu de brillance au départ et offrent un toucher légèrement différent, en échange d’une durée de vie plusieurs fois plus longue. Et puisque l’âge est la variable sonore dominante, l’échange est bien plus avantageux que ne le laisse entendre le snobisme. Un jeu à revêtement passe l’essentiel de sa longue vie à sonner correctement, tandis qu’un jeu nu passe une courte vie à sonner très bien, puis longtemps à sonner mal, parce qu’on change rarement ses cordes aussi souvent qu’il le faudrait.

Le revêtement polymère (PTFE ou équivalent) protège le filage de la transpiration, des graisses et de la crasse qui tuent le son. La perte de brillance des premiers revêtements était réelle, et leur réputation méritée ; sur les revêtements actuels, elle est assez faible pour que la longévité l’emporte chez la plupart des musiciens, dans la plupart des situations. Si vous avez la transpiration acide ou vivez dans un climat humide, les cordes à revêtement ne sont pas un compromis : c’est la bonne réponse.

Entretien : faire travailler pour vous la variable qui compte

Une fois admis que la fraîcheur fait tout, l’entretien cesse d’être une corvée pour devenir l’amélioration de son la moins chère qui soit.

Les cordes meurent de la corrosion (transpiration, humidité, sébum, la transpiration acide étant redoutable), de l’usure aux frettes (méplats et creux là où la corde touche la frette) et des saletés qui se logent dans le filage et ajoutent une masse morte. Les signes sont connus : perte de brillance, accord qui ne tient pas, justesse irrégulière, décoloration, et pour finir la casse.

L’entretien qui marche vraiment est modeste et bon marché :

• Essuyez les cordes après chaque séance avec un chiffon sec. Cette seule habitude fait plus pour leur durée de vie que n’importe quel produit.
• Lavez-vous les mains avant de jouer : retirer les graisses et le sel avant qu’ils n’atteignent la corde est plus efficace que de les nettoyer après.
• Gardez l’instrument dans un environnement stable et pas trop humide.
• Passez aux cordes à revêtement si votre peau ou votre climat les malmène.

Durées de vie approximatives : un jeu nu tient d’une à quatre semaines de jeu régulier avant de perdre nettement ; un jeu à revêtement, deux à six fois plus, souvent plusieurs mois. Mais la durée de vie est personnelle : un musicien à la main lourde et à la transpiration acide tuera un jeu en quelques jours dans une pièce humide, quand un musicien léger qui essuie religieusement ses cordes fera durer le même jeu des semaines.

Pour les luthiers et le réglage, c’est non négociable : un instrument doit être harmonisé, réglé et essayé avec des cordes neuves. Des cordes mortes faussent tout : la justesse, la réponse, le caractère sonore pour lequel l’instrument a été construit. Le client qui essaie un instrument sur des cordes fatiguées entend les cordes, pas la guitare. Chaque instrument devrait quitter l’établi avec un jeu neuf et adapté, faute de quoi on teste la mauvaise variable.

Ce qu’il faut en retenir

Les cordes comptent, mais dans un ordre précis que le marketing ne cesse de brouiller.

La fraîcheur passe en premier, et de très loin. L’écart entre des cordes neuves et des cordes mortes écrase toutes les autres variables de cet article réunies. Si vous voulez un meilleur son demain et que vous jouez sur le même jeu depuis deux mois, il ne vous faut pas une meilleure marque, mais un jeu neuf, et l’habitude d’en changer plus souvent.

La fabrication est surtout une question de toucher. Le type de filage, la forme de l’âme et le tirant changent bien plus le toucher de l’instrument et la netteté de son articulation que sa voix fondamentale. Choisissez-les pour le plaisir de jeu et pour le travail à faire (filet plat pour la douceur, gros tirant pour les accordages graves), pas pour une transformation sonore imaginaire.

Le matériau est une saveur réelle mais secondaire, plus marquée sur une acoustique que sur une électrique, où les micros et l’ampli dominent. Nickel ou inox est un vrai choix. Ce n’est pas lui qui bride votre son.

Et la raison honnête de dépenser plus, c’est la longévité, pas la magie. Revêtements et alliages haut de gamme achètent surtout une vie plus longue au son des cordes neuves, ce qui, vu tout ce qui précède, est en fait la chose la plus sensée à payer. Simplement, ne la payez pas en espérant un autre instrument.

Les cordes sont le premier point de contact entre le musicien et l’instrument, la membrane où le mouvement devient son. Cela les rend réellement importantes. Cela ne les rend pas magiques. Changez-les souvent, adaptez-les au travail, et laissez l’instrument se faire entendre.

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