La vérité sur le diapason

Le diapason fait partie de ces caractéristiques que tout le monde répète et que presque personne n’examine. On le cite en pouces avec beaucoup d’assurance, 25,5", 24,75", « diapason Fender », « diapason Gibson », puis on le charge d’affirmations sur le son, le sustain, la chaleur, la brillance et le toucher, qui vont de l’exact au faux en passant par le à-moitié-vrai.

Cet article fait ce que fait toute la série : il sépare ce que le diapason fait réellement, mécaniquement et de façon mesurable, de ce qu’Internet a décidé qu’il faisait. Une partie de la sagesse populaire tient la route. Une part étonnante relève du folklore déguisé en physique.

Et quelques-unes des affirmations les plus répétées, la tête inversée qui changerait le son, le bois derrière le sillet ou le chevalet qui jouerait un rôle, sont tout simplement fausses, et c’est facile à démontrer une fois qu’on a compris ce qu’est un diapason.

Commençons donc par là.

Ce qu’est vraiment le diapason

Le diapason, c’est la longueur vibrante de la corde à vide : la distance entre le sillet et le pontet. Rien de plus. C’est la portion de corde libre de vibrer quand on joue une note à vide.

Deux conséquences en découlent immédiatement, et toutes deux comptent pour les mythes qui suivent.

D’abord, le diapason est une mesure théorique. Sur presque toutes les guitares, la valeur indiquée sur la fiche technique ne se mesure pas directement à la règle du sillet au pontet, parce que les pontets sont volontairement reculés par rapport à leur position théorique pour corriger la justesse.

La méthode habituelle pour connaître le vrai diapason consiste à mesurer la distance du sillet au milieu de la 12e frette et à la doubler. La 12e frette se trouve exactement à mi-longueur de la corde vibrante. Le pontet est ensuite compensé, reculé de quelques millimètres, davantage sur les cordes filées, pour que les notes frettées restent justes malgré le léger étirement de la corde quand on l’appuie. « 25,5 pouces » décrit donc la géométrie autour de laquelle la touche a été construite, pas la distance littérale du sillet au chevalet.

Ensuite, et c’est le fondement de la moitié de ce qui suit, seule la portion comprise entre les deux points de contact vibre. La corde se prolonge au-delà du sillet jusqu’aux mécaniques, et au-delà du pontet jusqu’à l’ancrage du chevalet ou au cordier. Aucune de ces longueurs ne fait partie du diapason. Aucune ne vibre en tant que partie de la note jouée. Gardez cela en tête, on en aura besoin.

Comment se calcule l’espacement des frettes (et pourquoi il est figé)

La position de chaque frette est entièrement déterminée par le diapason, à travers une seule constante : la racine douzième de deux, environ 1,0594631.

Chaque frette divise la longueur de corde restante de sorte que chaque demi-ton corresponde au même rapport que le précédent. La distance du sillet à la première frette est égale au diapason divisé par 17,817. L’octave, à la 12e frette, tombe exactement à la moitié du diapason. C’est le tempérament égal, et c’est pourquoi un diapason plus long écarte les frettes, tandis qu’un diapason plus court les rapproche.

C’est aussi pourquoi le diapason se sent avant de s’entendre. Un guitariste qui passe d’une Gibson en 24,75" à une Fender en 25,5" remarque d’abord l’écart dans les premières cases, là où la différence d’espacement est la plus forte. Sur toute la touche, la géométrie est figée et non négociable : on ne peut pas changer l’espacement des frettes sans changer le diapason, ni changer le diapason sans déplacer chaque frette. C’est un seul et même fait, décrit de deux façons.

Ce que le diapason change au toucher : la tension

C’est l’effet réel, dominant et mesurable du diapason, et il vaut la peine d’être précis, car la version populaire est légèrement fausse.

Pour une corde donnée, même tirant, même matériau, accordée à la même hauteur, un diapason plus long exige une tension plus élevée. La relation est directe : à hauteur et corde égales, la tension croît avec le carré de la longueur vibrante. Passez de 25,5" à 24,75", et, toutes choses égales par ailleurs, la tension de chaque corde baisse d’environ 6 %. Ce n’est pas énorme, mais les mains le sentent nettement.

Une tension plus élevée (diapason long), c’est :

• des cordes plus raides, qui résistent davantage sous les doigts ;
• des tirés plus difficiles, une corde qui se défend ;
• une attaque plus serrée et plus définie, surtout dans les graves.

Une tension plus faible (diapason court), c’est :

• des cordes plus souples et plus indulgentes ;
• des tirés et un vibrato plus faciles ;
• un toucher plus lâche, parfois qualifié de « caoutchouteux » dans les cas extrêmes.

C’est l’effet le plus important du diapason, et c’est d’abord une propriété de toucher. Si l’on recommande souvent les instruments à diapason court aux musiciens qui ont de petites mains, ou aux débutants, ce n’est pas seulement pour l’espacement plus serré des frettes : c’est que la tension plus faible rend tout simplement la corde plus facile à appuyer et à tirer.

La fiche technique cache ici un levier pratique : on peut compenser. Une guitare à diapason long montée en tirant léger et une guitare à diapason court montée en tirant plus fort peuvent atteindre des tensions très proches. La tension résulte du diapason, du tirant et de la hauteur ensemble, pas du diapason seul. C’est capital pour la question du son, car cela signifie que bien des différences « sonores » attribuées au diapason sont en réalité des différences de tension, et que la tension se règle par le choix des cordes, indépendamment du diapason.

Ce que le diapason change au son

C’est ici que le folklore est le plus épais. Prudence, donc.

La version honnête : le diapason a un effet réel mais secondaire sur le caractère sonore d’une corde pincée, et cet effet passe par la tension et par le contenu harmonique de la vibration, pas par une quelconque magie du chiffre.

Ce qui se défend

Un diapason plus long, à tension plus élevée, tend à donner des graves plus serrés et plus focalisés et des harmoniques aiguës plus présentes, ce que les musiciens entendent comme de la « clarté », du « serré » ou de la « brillance », particulièrement sur les cordes graves d’un baryton ou d’un instrument accordé plus bas. La tension plus élevée permet à une corde plus grosse de vibrer proprement sans flotter, et la fondamentale reste bien définie. C’est l’idée réellement utile derrière les diapasons longs et les multiscales pour les accordages graves : ce n’est pas le bois qui est devenu plus brillant, c’est la corde qui est assez tendue pour se tenir.

Un diapason plus court, à tension plus faible, tend vers un caractère plus chaud, plus rond, plus compressé, avec une attaque un peu plus douce. La tension réduite et l’équilibre différent des harmoniques produisent ce que l’on appelle couramment le son « short scale », celui que l’on cherche quand on décrit une basse à diapason court comme « vintage » ou ronde et percussive.

Là où le folklore va trop loin

L’idée que le diapason serait l’un des principaux facteurs du son d’un instrument électrique ne résiste pas à la chaîne du signal. Sur une solid body, les facteurs dominants sont les micros, leur position sous les cordes, les cordes elles-mêmes, et tout ce qui suit : ampli, haut-parleur, pièce. (L’article sur les bois de lutherie arrive à une conclusion voisine pour le bois du corps : rien dans les données contrôlées n’approche le changement obtenu en changeant un micro.) Le diapason fait partie du mélange, mais il est loin d’en occuper le haut.

L’expression « plus de sustain » associée aux diapasons longs mérite aussi une réserve. Une tension plus élevée stocke davantage d’énergie dans la corde, ce qui peut contribuer au sustain. Mais sur une électrique, le sustain dépend bien plus de la rigidité du manche et du corps, de la qualité du couplage au sillet et au pontet, et du travail des frettes que du chiffre du diapason. Une guitare en 24,75" bien construite tiendra la note plus longtemps qu’une 25,5" mal construite, tous les jours de la semaine. Le sustain est une propriété du système, pas du diapason.

La façon la plus utile d’y penser : le diapason fixe les conditions dans lesquelles la corde vibre. Il ne rend pas, à lui seul, une guitare brillante ou chaude. Il oriente le comportement de la corde, et cette orientation est réelle, mais ce n’est qu’un ingrédient parmi d’autres, et sur une électrique, plusieurs autres parlent plus fort.

Les mythes à abattre

C’est la raison d’être de cette série. Ces affirmations circulent sans fin, et elles sont soit fausses, soit très confuses.

Le mythe de la tête inversée

L’affirmation : une tête inversée changerait le son, le plus souvent en rendant la guitare plus brillante, plus claquante, ou en « resserrant » les cordes graves, parce qu’elle allonge la corde derrière le sillet côté grave et la raccourcit côté aigu.

La réalité : elle ne change pas le son, parce que la corde derrière le sillet ne fait pas partie de la longueur vibrante. Le diapason est fixé par la distance du sillet au pontet, et inverser la tête ne déplace ni l’un ni l’autre. La note jouée est identique.

Ce qu’une tête inversée change réellement, c’est la longueur de corde morte entre le sillet et la mécanique. Sur une tête classique, les cordes graves ont le trajet le plus court jusqu’à leur mécanique ; inversez-la, et ce sont elles qui ont le trajet le plus long. Cela change deux choses bien réelles : la tension derrière le sillet, qui joue sur l’angle de cassure et la façon dont la corde repose dans sa fente, avec des conséquences mineures sur la tenue de l’accord et le toucher, et, très subtilement, la souplesse que ressent le musicien dans les tirés, puisqu’il y a un peu plus de corde disponible pour s’étirer. Certains préfèrent sincèrement cette sensation, et c’est une raison légitime d’en vouloir une.

Mais la hauteur, le contenu harmonique de la corde à vide, le diapason : rien de tout cela ne change. La tête inversée est une décision de toucher et d’esthétique, parfois de tenue d’accord. Ce n’est pas une modification de son, et quiconque vous dit qu’elle rend votre son plus brillant décrit un placebo, ou le confond avec la vraie différence de toucher due à la tension derrière le sillet.

Le mythe de la longueur « au-delà » des points de contact

C’est le mythe parent du précédent, et il faut l’énoncer dans toute sa généralité : la longueur de corde au-delà du sillet et au-delà du pontet est acoustiquement morte. Elle ne vibre pas en tant que partie de la note. Elle n’apporte rien à la hauteur, ni au son fondamental.

C’est pourquoi le choix entre cordes traversantes et chevalet à chargement par le dessus, la distance entre le pontet et le cordier sur un Tune-o-matic, la longueur de corde enroulée autour de l’axe de la mécanique, ne changent ni le diapason ni la hauteur fondamentale. Tout cela se trouve à l’extérieur des deux points de contact.

Et maintenant, la note honnête, puisque la précision est tout l’objet de cette série : la longueur morte n’est pas parfaitement inerte. L’angle de cassure au sillet et au pontet, et la quantité de corde qui se trouve derrière, jouent sur la fermeté avec laquelle la corde s’appuie sur les points de contact, sur la pression exercée sur le pontet, et donc sur l’efficacité du transfert d’énergie et la souplesse de la corde dans les tirés. Les cordes traversantes augmentent l’angle de cassure au pontet, ce que certains musiciens ressentent comme une réponse plus raide, plus « verrouillée ». Ce sont des effets du second ordre sur le toucher et le couplage énergétique : assez réels pour en parler, bien trop faibles pour être la transformation sonore que promet le marketing. La hauteur fondamentale et le diapason ne bougent pas. Quiconque vous dit que des cordes traversantes « ajoutent du sustain et du serré » montre du doigt un effet de couplage réel mais minuscule, et le gonfle en histoire de son.

Le mythe du « plus long, c’est objectivement mieux »

Il n’y a pas de mieux. Le diapason est un ensemble de compromis, pas une échelle de qualité. Plus long, il apporte de la tension et des graves focalisés, au prix de l’écartement et de l’effort dans les tirés. Plus court, il apporte de la facilité et de la chaleur, au prix de la définition des graves dans les accordages extrêmes. Choisissez celui qui convient à la musique et aux mains. Une guitare en 25,5" n’est pas un instrument plus sérieux qu’une 24,75" : c’est un autre outil.

Le mythe du quart de pouce qui s’entend

La différence entre 25,5" et 25" est réelle sur le papier, et pratiquement inaudible en tant que changement de son isolé, sur une solid body, à travers un ampli, dans un mix. Ce que l’on peut sentir, c’est la petite différence de tension. Ce que l’on n’identifiera presque jamais à l’aveugle, c’est le diapason au seul son. L’essentiel de ce que les musiciens attribuent à de petites différences de diapason tient au changement de tension, au tirant qu’ils y ont associé, ou à leurs attentes. Plus deux diapasons sont éloignés (un short scale de 24" contre un baryton de 27"), plus il y a de choses à entendre. Mais un demi-pouce, c’est une différence de toucher, pas une empreinte sonore.

Les diapasons courants, et à quoi ils servent vraiment

Le choix de PRS, 25", est l’entrée la plus instructive du tableau : un concepteur qui décide, explicitement, que le demi-pouce séparant les deux diapasons dominants est un milieu exploitable, un peu plus serré que Gibson, un peu plus souple que Fender. C’est le diapason utilisé comme levier de conception délibéré, et non comme un héritage par défaut. C’est aussi l’aveu discret que la différence entre les deux camps, bien que réelle, est assez faible pour que la couper en deux soit une troisième voie viable.

Les basses

La même logique s’applique, à plus grande échelle. Les basses à diapason court (autour de 30") donnent ce son chaud, rond, riche en fondamentale, associé à beaucoup d’enregistrements vintage, et une extension plus facile, qui compte davantage sur un manche de basse. Le diapason long (le « standard », autour de 34") donne les graves plus serrés, plus articulés et plus définis que suppose la plupart du jeu moderne. Les diapasons extra-longs (35" et plus) servent à garder un si grave clair et tendu sur les basses à 5 et 6 cordes, selon la même logique d’accordage grave que le baryton en guitare. Sur une basse, les différences de tension et d’extension sont plus grandes et plus lourdes de conséquences que sur une guitare, ce qui explique que le choix entre diapason court et diapason long soit une décision plus sérieuse pour un bassiste que pour un guitariste.

Le multiscale : le seul cas où le diapason est un vrai outil de conception

Les instruments multiscale, à frettes en éventail, donnent à chaque corde son propre diapason, plus long pour les graves, plus court pour les aigus, en inclinant les frettes. Un éventail de guitare typique peut aller de 25,5" sur le mi grave à 24" sur le mi aigu ; un baryton ou un instrument à tessiture étendue s’ouvre davantage.

C’est l’application la plus honnête et la plus utile de tout ce qui précède, parce qu’elle traite le diapason pour ce qu’il est : un levier de tension et de clarté, appliqué corde par corde. Les cordes graves obtiennent le diapason long dont elles ont besoin pour rester tendues et définies, surtout dans les accordages graves. Les cordes aiguës obtiennent le diapason plus court qui les rend plus faciles à tirer et leur donne un haut du spectre plus chaud, moins cassant. Chaque corde se trouve dans une plage de tension qui lui convient, au lieu que tout l’instrument fasse un compromis sur un seul chiffre.

Les contreparties sont réelles, et il faut les dire franchement. Il y a une période d’adaptation : les frettes inclinées impressionnent au premier regard et paraissent un peu étranges les premiers temps, surtout autour de la frette perpendiculaire, là où l’éventail change de sens. Les accords dans les aigus demandent un petit temps de réajustement. Et l’instrument est plus difficile à bien construire, ce qui se reflète dans son prix. Mais la logique ergonomique et sonore est solide, ce n’est pas du marketing : c’est la seule conception qui permet de cesser de transiger entre les besoins de la corde grave et ceux de la corde aiguë. Pour les instruments à tessiture étendue et accordés bas en particulier, c’est moins un gadget que la bonne réponse à un vrai problème.

Une réserve, dans l’esprit de tout cet article : le multiscale résout un problème de tension et de clarté, et il le résout vraiment. Il ne transforme pas une six cordes en accordage standard en un instrument qui sonnerait autrement. Le bénéfice croît à mesure que l’on descend dans les accordages graves et que l’on élargit la tessiture. Sur une guitare en accordage standard, l’avantage est modeste et surtout ergonomique ; sur une 7 ou une 8 cordes accordée bas, il est considérable.

Ce qu’il faut en retenir

Le diapason est une réalité, et il compte, mais d’une façon précise et limitée que la sagesse populaire décrit systématiquement de travers.

C’est d’abord et avant tout une caractéristique de toucher. Il fixe l’espacement des frettes, que la main remarque immédiatement, et il fixe la tension des cordes pour un tirant et une hauteur donnés, que la main remarque en permanence. Ce sont les effets que vous ressentirez vraiment.

Son effet sur le son est réel mais secondaire, et il passe entièrement par la tension et le contenu harmonique, pas par une propriété du chiffre lui-même. Sur une électrique, il arrive loin derrière les micros, les cordes et l’ampli. Plus deux diapasons sont éloignés, plus il y a de choses à entendre ; un demi-pouce est une différence de toucher, pas un son que l’on reconnaîtra à l’aveugle.

Et la longueur de corde au-delà du sillet et du pontet ne change rien à la hauteur ni au son fondamental. La tête inversée ne vous rend pas plus brillant. Les cordes traversantes n’ajoutent pas de sustain significatif. Ces effets aux points de contact et au-delà ne sont réels que sous forme de petits changements de toucher et de couplage énergétique, et ils sont largement exagérés.

La grille la plus utile, celle autour de laquelle nous construisons nos instruments : le diapason fixe les conditions dans lesquelles la corde vibre. Choisissez-le pour la tension et l’extension que demande la musique, associez-le au bon tirant, et laissez les micros et l’ampli faire le travail dont ils sont réellement responsables. Le reste est du folklore.

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